ANNE MULLEE RAPPORTERER OM BIDRAGET TIL IRISKE KUNSTNERE OG GARDINER PÅ 57TH VENEDIG BIENNALE.
Mange av anmeldelsene av kurator Christine Macels ambisiøse håndtering av hennes to store, artist-sentrerte 'Viva Arte Viva!' utstillinger på La Biennale di Venezia har tiltrukket mindre enn voldsom ros, med kritikere som siterer for mange svake verk, ikke nok mangfold og slapp kontekstualisering, blant annet kritikk. Selvfølgelig 57th Biennalen er langt mer enn en sum av disse delene. Kanskje gjenspeiler den stadig mer globaliserte kunstverdenen, i år inkluderes nye paviljonger fra førstegangsdeltakerne Antigua og Barbuda, Kiribati og Nigeria. Etter hvert som flere land blir invitert til å delta i arrangementet, blir refleksjoner om nasjonalitet en stadig mer vanlig trope. Virtuell utopisk stat NSK er vert for den tyrkiske kunstneren Ahmet Öğüt, som har jobbet med unge flyktninger for å drive et live passkontor, hvor jeg sikret et NSK State Passport (nskstate.com). I kontrast er den sørlige delen av kloden representert i Venezia av Antarktis paviljong, som ikke så mye er en forestilt stat som en undersøkelsestilstand. Opprettet av russisk kunstner og biennal-stalwart Alexander Pononmarev, gir paviljongen en plattform for å vise kunstverk og prosjekter av forskjellige inviterte kunstnere som deltok i den første Antarktisbiennalen - en 12-dagers kunstnerisk forskningsexpedisjon gjennomført i mars 2017 med 100 deltakere ombord forskningsfartøyet. Akademik Ioffe.
Den irske kunstneren Méadhbh O'Connor, som for tiden er UCD-artist-in-residence i Parity Studios, er blant de 15 internasjonale kunstnerne som er valgt til å stille ut på Antarktis Pavilion. I samarbeid med UCDs vitenskapsavdeling utviklet O'Connor et eksperiment og tilbød det som et open source-arbeid. Stykket presenteres som et filmverk, og utforsker klimaendringene og demonstrerer atmosfæriske reaksjoner på mikronivå ved å blande melk med forskjellige tettheter av vann. Filmet i nærbilde og vist på to veggmonterte nettbrett, resultatet er magisk. Klimasimulator Fase I og II er små verdener som fremkaller de gassformede skyene rundt jorden, virvler og hvirvler etter skaperenes innfall. Filmen formidles via YouTube og sosiale medier gjennom biennalen, og inviterer seerne til å gjenskape eksperimentet hjemme.
En annen tverrstatlig sikkerhetspaviljong er utstillingen fra European Cultural Center. Presentert over tre arenaer - Palazzo Bembo, Palazzo Mora og Giardini Marinaressa - mer enn 250 kunstnere fra hele verden svarer på begrepene "tid, rom og eksistens" under tittelen "PERSONLIGE STRUKTURER - åpne grenser". Den irske artisten Patricia McKenna har laget en installasjon….og verden fortsetter (2017) i takskjegget til Palazzo Mora, hvor slanke trær strekker seg mot sine hundre år gamle sperrer, møtt av andre som når nedover. Opplyst av et neonskilt som forkynner "Goes", er denne skifteskogen montert på pene metallstativ (malt i blått, rødt og svart) og er brutt opp med rette stenger. Her og der ser det ut som små leire menneskeskikkelser å hoppe fra tre til tre, mens falske folieblader indikerer mulige tegn på liv. Det er merkelig dystopisk, med det natriumlignende blikket fra neon som støper en slags post-apokalyptisk gulaktig skjær.
På Giardini er den sveitsiske paviljongen kuratert av Philip Kaiser, som noe forvirrende har gitt årets utstilling tittelen "Women of Venice", og tegner på paviljongens egen historie. Kaiser uttalte at han har som mål å "reflektere over paviljongens historie og Sveits bidrag til Venezia-biennalen fra et moderne perspektiv, og å initiere nytt arbeid, spesifikt for denne sammenhengen." Imidlertid blir et av verkene innrammet gjennom Giacometti-brødrenes historie: Bruno, arkitekten som opprinnelig designet paviljongen, og Alberto, den anerkjente kunstneren som gjentatte ganger avviste invitasjoner til å representere Sveits i den paviljongen.
Flora (2017) av den sveitsiske kunstneren Alexander Birchler og den irske kunstneren Teresa Hubbard, er et av de mest arresterende verkene på biennalen. Paret laget en synkronisert, tosidig filminstallasjon om livet til Flora Mayo, en tidligere muse av Alberto Giacometti og en kunstner i seg selv. Selv om det ser ut til at enhver kvinnelig kunstner som jobbet før 1980, er dømt til å være 'lite kjent', 'uoppdaget' eller 'undergjenkjent', ble Mayo virkelig utydelig. Dette skjedde av hennes egen hånd, da hun ødela mye av sitt arbeid. Født i en velstående amerikansk familie, endte hennes første ekteskap etter at hun fødte sitt første barn. Hun forlot Paris og ble senere venn med Giacometti, som skulpturerte henne. Flora ble avskåret fra familien sin og fikk ikke lov til å se datteren sin igjen. På 1930-tallet flyttet hun til California, jobbet med store jobber og oppdraget sønnen David Mayo, født to år etter Floras retur til USA. Floras historie blir fortalt i stil med en dramadokumentar filmet i svart-hvitt, som gjengir et forestilt syn på hennes liv i Paris som kunstner. I den andre filmen, nå i farger, husker David sin mors liv mens vi ser sekvenser av Floras tapte verk blir rekonstruert og gjenforent med bysten Giacometti laget av henne. Et stille kraftig og rørende arbeid, Flora er en melankolsk hyllest til sin navnebror.
Historien om nasjonale paviljonger er en vanlig kilde til inspirasjon for mange biennale kuratorer. Den fantastiske nordiske paviljongen presenterer 'Mirrored', kuratert av Mats Stjernstedt, som inkluderer verk fra svensk kunstner og IADT-utdannet Nina Canell. Hennes utforskning av overføring, tilkobling og materialer underbygger en konkret samling av gjenstander, inkludert deler av transatlantisk kabel (kjent fra Valencia i Kerry til Trinity Bay i Newfoundland) og et delikat tårn av medisinsk rosa tyggegummi-mastikk. De flossete kantene på kabelen og den langsomt osmerende tyggegummien påkaller den gradvise slettingen av nåtiden.
Den nederlandske paviljongen er overvåket av den irske kuratoren Lucy Cotter. Spørsmål om postkolonialisme og modernistiske sosiale utopier blir utforsket på et nettsted designet av Gerrit Rietveld i 1953. Her har Cotter, sammen med den nederlandske kunstneren Wendelien van Oldenborgh, skapt 'Cinema Olanda' - en rekke henvendelser om Nederlandes oppfattede rykte som en progressiv nasjon. En motfortelling tilbyr tre videoverk og et par stillbilder for å introdusere en rekke observasjoner fra de 'gamle nederlenderne', som diskuterer noen av landets nye statsborgere, som inkluderer postkoloniale surinamere og flyktninger fra Indonesia. Språket som brukes er ofte klønete, og for det 'opplyste' øret grenser det til rasistisk. Gjennom den eponyme filmen blir Hollands nyere befolkning flippant referert til som 'Indos', mens språket til surinamere blir beskrevet som 'voldelig', og antar konnotasjoner av aggresjon og fysisk vold.
Det er neppe en åpenbaring at slike holdninger eksisterer, selv om van Oldenborgh tilbyr motvekt gjennom hennes utforskning av sosiale eksperimenter og tegnet om fortellinger initiert av kunstnere, aktivister og papirløse migranter. Disse foregår på forskjellige steder, inkludert en kirke i Rotterdam og arkitekt Aldo van Eycks Tripolis-bygning i Amsterdam, og knytter disse utopiske urbane idealene med byplanleggeren Lotte Stam-Beese, og fanger snutter av mindre kjente historier. Vi lærer om det første svarte medlemmet av det amerikanske kommunistpartiet, Otto Huiswoud, en surinamersk revolusjonær som organiserte arbeidere rundt om i verden og levde mye av sitt liv i Nederland. Vi får også innsikt i ulike former for innenlandsk aktivisme og huk som fant sted i Nederland fra 1960-tallet til i dag. Van Oldenborgh motstår konstruksjonen av ryddige paralleller og kronikker, i stedet lar seeren lytte til erindringene og fortalt om opplevelser fra svarte, hvite og brune nederlandske borgere.
Det blir ikke gitt noen oppløsninger, en følsomhet som mangler i noen av de andre verkene som presenteres på biennalen, og som søker å imøtekomme samtidens bekymringer rundt postkolonialisme og migrasjon. Et eksempel kommer fra den vanligvis perfekt perfekte Olafur Eliasson, hvis 'Green Light' -prosjekt opptar den største plassen i Giardinis sentrale paviljong (kuratert av Macel). Det ber innvandrere i Venezia om å holde workshops som lager geometriske lamper, som kan kjøpes for € 250. Det er et desidert ubehagelig 'menneskelig zoo'-aspekt ved dette skuespillet, som minner om tydelig kapitalistisk sosialt entreprenørskap snarere enn radikalt kollektivt, spesielt når det viser seg at workshop-tilretteleggerne er ubetalte.
Men kanskje til og med dette ikke er like grenseoffensivt som Ernesto Netos Um Sagrado Lugar / A Sacred Place på Arsenale. Her huser et stort nettelt - nylig referert til som et "chill out space" - faktiske levende sjamaner fra Sør-Amerika. Macel virker ivrig etter denne typen kulturell bevilgning, som går gjennom begge utstillingene hennes og føles ulidelig naiv. For all hylingen av en biennale ledet av kunstnere, er kuratorens hånd avgjort tung.
Berlin-baserte irske kunstnere Mariechen Danz presenterer installasjonen sin Livmor grav (2017) på Arsenale. En tidligere forestilling i rommet er påvist på skjermen, mens veggmonterte fotavtrykk og en termoaktiv skulptur på forskjellige måter skildrer menneskekroppens 'opprinnelige teater' i et scenesett laget av lokalprodusert gjørme. Danzs kroppslige praksis, som ikke skjuler seg i sin fysiske tilstand, minner om de viscerale andrebølge feministiske undersøkelsene til kunstnere som Carolee Schneemann eller Rebecca Horn. På Irish Pavilion, Jesse Jones fascinerende kraftige video- og ytelsesinstallasjon Skjelv, skjelv, kuratert av Tessa Giblin, ble allment mottatt. Den ruvende videoinstallasjonen på flere skjermer inviterer oss til å se på Olwen Fouérés urkron og skjelv ved hennes kraft. Andre steder, midt i det ofte overveldende arbeidet som vises på hele byen, er det gledelig å se så sterke bidrag fra andre irske kunstnere og de vi krever for oss selv.
Anne Mullee er kurator, forsker og kunstforfatter. Hun er for tiden kurator for The Courthouse Gallery and Studios i Ennistymon, County Clare.
Bilder: Teresa Hubbard / Alexander Birchler, Flora, 2017; synkronisert dobbeltsidig filminstallasjon med lyd; 30 min, løkke; Swiss Pavilion, Venezia-biennalen 2017; foto av Ugo Carmen, med tillatelse fra kunstnerne, Tanya Bonakdar Gallery, New York og Lora Reynolds Gallery, Austin. Nina Canell, Gum Dra og Kort stavelse, 2017; Nordic Pavilion, Venezia-biennalen 2017; foto av Åsa Lundén / Moderna Museet. Jesse Jones, Skjelv Skjelv installasjonsvisning, 2017; film, skulptur, bevegelig gardin, lyd og lys scenografi; Venezia-biennalen.
