Ronnie Hughes sin solo showet 'Isobar' består av 21 verk på lerret, lin og kryssfiner (fra 2020 og 2021) samt en serie på 11 arbeider på papir (fra 2015). De førstnevnte varierer betydelig i størrelse, hvorav de største er veldig store (214 x 183 cm). Det er denne svingningen i skala, så vel som den gledelige fargepaletten, som slår en umiddelbart når man går opp trappene til The MACs Upper Gallery.
Som tittel er 'Isobar' betydelig. Ikke i meteorologisk forstand, men snarere i hvordan kunstneren ser på det som en 'innbilskhet', en tegning av noe imaginært som "vi har tryllet frem for å skape en slags struktur i verden". Verkene i denne forestillingen er fulle av strukturer – rutenett, gitter, klynger, nettverk. Av interesse her også, når man vurderer noen av stykkene, er dette menneskelige forsøket på å finne frem noe som i naturen er i konstant endring og strekker seg utover grensene for hvor enn vi velger å peke våre observasjonsinstrumenter mot, i et gitt øyeblikk.
Malerienes overflater beholder spor etter utviklingen; hevede harde kanter vitner om elementer som har blitt malt over, har endret skala eller plassering under maleprosessen. Dermed antar man at når først en innledende armatur er etablert, eller i det minste foreløpig avtalt, at mye av det ekstraordinære antallet valg som har med farge og balanse (og ubalanse) å gjøre, er utarbeidet empirisk på overflaten av lerretet, heller enn å være forhåndsbestemt. Overflater viser også subtile forskjeller i gjennomsiktighet og finish; noen elementer virker matte, andre har en blank glans, mens andre fortsatt oppnår en Perspex-lignende gjennomskinnelighet – den lysende og eksplosive Surge, 2020, inneholder alle disse tre variantene – et resultat av Hughes eksperimentering med pigment og kopolymermedium, med lagdeling og glasering.
Flere av lerretene deler en lignende ramme og fungerer som par, til tider med overraskende forskjellige utfall. I Blink, 2021 og Dazzle, 2021, for eksempel, sistnevnte, som om han tråkker bak et billedvev, er som den dempede verso av førstnevntes rekto av rektangler, firkanter og flekker. Enda mer overraskende er sammenkoblingen av palimpsest, 2021 og Valser, 2021. Førstnevnte er en grafisk serie med overlappende bokstaver i ticker-tape-linjer med et subtraktivt fargeforhold (maleriet slår forresten en tydelig tone i en ellers sammenhengende gruppering av verk inntil det kontekstualiseres av tegneserien 'Artificial Birdsong' i den andre rom). palimpsest begynte livet som en alternativ versjon av samme størrelse Valser men utviklet seg veldig annerledes – prikken på bokstaven "i", dukket opp flere ganger og gjenspeiler den prikketekkede Valser ved siden av, kanskje den eneste ledetråden til deres delte begynnelse.
Valser minner om det spredte innholdet i en hullbeholder. Ved nærmere betraktning ser man imidlertid at de fargede flekkene på en dempet blågrønn bakgrunn ikke er plassert tilfeldig, men heller nøye arrangert i en serie av overlappende paringer. Likevel er overlappingene ujevne, i noen tilfeller avslører den øvre flekken minst halvparten av den under og andre steder lar den bare en tynn sigd titte frem. Som med mange av Hughes verk, så snart du tror du har identifisert den underliggende strukturen eller systemet som er i spill, ser du umiddelbart unntakene – kunstnerens bevisste frustrasjon av våre antakelser som truer med å destabilisere strukturen. Det er fristende å plukke ut disse gullkornene: den ensomme grupperingen av tre prikker i et lerret fullt av to-prikker-paringer (Judder I, 2021); den enkle krokete vertikalen i et tett gitter av rette vinkler (Innen jeg, 2021); det ene litt forskjøvede punktet i Dazzle, og så videre. Men å gjøre det, å behandle disse elementene utelukkende som komposisjonstriks, er reduktivt. Av større betydning er hvordan de opererer på oss halvbevisst, og bringer vitalitet og bevegelse. De er de små anomaliene som gjør verkene mer fascinerende, der Hughes har «latt naturen gripe inn […] for å skape noe som bare er mye mer interessant å se på».
Thicket I, 2021 og Thicket II, 2021, er et nett av overlappende og kryssende linjer med primære, sekundære og tertiære farger på en off-white bakgrunn. De er som skjematiske diagrammer, men oppfyller ikke denne funksjonen. Strukturen deres er ikke helt innenfor lerretets grenser, og punktene der linjene konvergerer behandles forskjellig. Øyet prøver å løse strukturen, å se den i en enkelt omfattende tilstand, men kan ikke – det er for mye bevegelse som skjer. Andre verk, med Op-Art-lån av bølger og rutenett, har denne følelsen av bevegelse. Imidlertid ser spesielt dette paret ut til å ha potensialet til å utvide seg i rommet – som om vi så en liten del av en større helhet utenfor lerretets grenser – og med tiden, som om verket var en frossen ramme av en struktur i konstant bevegelse og rekonfigurering.
Den mesterlige fargebruken gjennomgående er en fryd å oppleve, spesielt i skrivende stund i vinterdypet. Alle verkene som presenteres i 'Isobar' avslører seg sakte og belønner langvarig visning og gjentatte besøk. Bare ikke forvent at de skal sitte stille før du ser igjen.
Jonathan Brennan er en tverrfaglig kunstner basert i Belfast.
jonathanbrennanart.com
