SARAH HAYDEN ENTREVISTA A PÁDRAIG SPILLANE SOBRE LA TRAYECTORIA DE SU PRÁCTICA Y SU RECIENTE EXPOSICIÓN, 'LO QUE PASA ENTRE NOSOTROS', EN EL CENTRO DE ARTES SIRIUS.
Sarah Hayden: Durante varios años, su práctica ha tendido hacia las tres dimensiones y, sin embargo, mantiene una preocupación por las superficies. ¿Cómo concibe este desarrollo y cómo interactúa con su interés en interrogar imágenes bidimensionales "sin profundidad"?
Pádraig Spillane: Mi interés por las superficies se centra en cómo se pueden reordenar. Esto puede implicar buscar en las entrañas de los materiales, o cortar y rasgar material impreso, para examinar cómo se ven y se sienten las cosas próximas unas a otras. Las imágenes y los objetos que utilizo, ya sean encontrados o buscados, son generalmente materiales comerciales, industriales o producidos en masa. Estas cosas a menudo son familiares, ubicuas o experimentadas en comunidad de alguna manera a través de nuestra cultura visual compartida. Deconstruyo estas imágenes y las superpongo, buscando indicaciones y escalofríos y creando efectos inesperados. La evolución de la obra de dos a tres dimensiones surgió de esta indagación y de mi deseo de producir transformaciones táctiles dentro de un contexto contemporáneo saturado de imágenes.
Me gusta la ambigüedad de la palabra "sin profundidad". Sugiere algo que no tiene profundidad y que puede extenderse enormemente. Originalmente trabajé con materiales 'planos', como material impreso para collage y escote. A menudo me atrae cómo se coloca una figura o un cuerpo dentro de una imagen. Me centro en consideraciones como el significado del color, el espacio alrededor del cuerpo, el gesto que se muestra y los accesorios o símbolos que se utilizan. También me interesa cómo un desgarro o corte puede operar dentro de tales imágenes, particularmente con respecto a las tensiones creadas por elementos dispares que se unen. También trabajo mucho con espejos para aprovechar los espacios aparentemente virtuales creados por superficies reflectantes.
SH: Gran parte de su trabajo parece hiper-sintonizado con instancias de proximidad y puntos de contacto físico. ¿Qué motiva esta fascinación por hacer obras de arte que parecen preocupadas por el tacto?
PD: Usando una estrategia de collage, la relación entre fragmentos de imágenes (o imágenes y objetos en mis ensamblajes escultóricos) está guiada por la proximidad; Surgen relaciones y asociaciones, basadas en la ubicación de estas imágenes. El contacto y la cercanía son fundamentales para mi forma de trabajar. Es la emoción de los descansos e interrupciones, las aperturas generadas a través de las alteraciones del contexto y el contenido, lo que impulsa mi práctica. Me interesan los conceptos de reflejo y duplicación, así como qué hace que algo sea completamente distinto. La tacto, la estimulación y la simulación del deseo háptico son fundamentales para este proceso.
SH: Tu trabajo ha aparecido en varios programas grupales recientemente. ¿Existe una constelación de artistas, movimientos o tendencias (actuales o históricas del arte) con las que tu obra busca conectar?
PD: Para mí, se trata de una prioridad artística muy simple de hacer el trabajo que quiero ver. Admiro las obras de arte que no solo reflejan o refuerzan el status quo, sino que lo critican, lo descomponen o lo tuercen en algo nuevo a través de diferentes formas de representación. Isa Genzken, Hannah Höch y Jimmy De Sana son artistas en los que solía mirar y pensar. Admiro su capacidad para configurar objetos junto a la figura y su compromiso con el desarrollo de comentarios mediante el uso de materiales fabricados, así como el 'empujar y tirar' idealizado que se manifiesta en su trabajo.
SH: ¿Hasta qué punto cree que su práctica está dirigida por la investigación? ¿Qué estás leyendo en este momento y qué has leído que haya informado tu trabajo reciente?
PD: Mi formación es en filosofía y, como tal, mi investigación está dirigida a absorber nuevas perspectivas teóricas, para ver cómo pueden ayudar a generar nuevos trabajos. Para mi reciente exposición, 'What Passes Between Us' en Sirius Arts Center (2 de septiembre - 15 de octubre), he estado releyendo Fragmentos de zona para una historia del cuerpo humano, editado por Michel Feher, y De la comunión al canibalismo: una anatomía de metáforas de incorporación por Maggie Kilgour. Ambos son perspicaces al examinar cómo y por qué hemos generado muchas construcciones diversas de encarnación humana.
Además, Espacio, tiempo y perversión: ensayos sobre la política del cuerpo por Elizabeth Grosz y Utopía de crucero de José Esteban Muñoz proponen que nuestra forma de hablar lleva al cuerpo al ser social, y que el cuerpo es algo que se produce y remodela constantemente. También he estado leyendo el nuevo libro de Franco 'Bifo' Berardi, Futurabilidad: la era de la impotencia y el horizonte de la posibilidad y #ACCELERATE MANIFESTO por una política aceleracionista por Alex Williams y Nick Srnicek. Todos estos han contribuido a mi trabajo. China Miéville es una escritora de ciencia ficción a la que también admiro. Mientras trabajaba en mi exposición, la colección de cuentos de Miéville, Tres momentos de una explosión, siempre estuvo en algún lugar del fondo de mi mente.
SH: ¿Hasta qué punto se concibió 'What Passes Between Us' como un proyecto de sitio específico?
PD: Tomando prestado de la discusión de Alice Jardine "De cuerpos y tecnologías", una orientación adecuada para la exposición podría ser la frase "rituales para los cuerpos del futuro".1 'What Passes Between Us' contempla modos de producción que dan lugar a diferentes transformaciones de - y dentro - del cuerpo. Al idear el concepto con la comisaria, Miranda Driscoll, se utilizó explícitamente la ubicación de Sirius para orientar la exposición. El centro de artes está ubicado dentro del centro industrial global de Cork Harbour, un sitio que alberga una concentración de plantas farmacéuticas y tecnológicas que producen productos y materias primas para alterar los cuerpos humanos. La idea de que los cuerpos están sujetos a una intervención temáticamente sustenta no solo esta exposición, sino también mi práctica más amplia en curso.
Las obras presentadas en 'What Passes Between Us' tomaron prestado del minimalismo en su uso de estructuras simples, repetición, rejillas, fabricación subcontratada y materiales de grado industrial como acero dulce y PVC. También fueron influenciados por el post-minimalismo y el minimalismo queer, con ensamblajes desnudos que apuntaban a engendrar sentimientos corporales. Esta estética minimalista fue subvertida por la introducción de una palma repetida que, a su vez, se manipuló y extrañó utilizando la lógica de la cuadrícula, lo que realzó la sensación y el afecto. Algo que existe 'para tocar' se ha convertido en algo 'para be tocado ', visto y sentido. Esta imagen se volvió cautivadora y aterradora, a través de su repetición y rearticulación dentro de la matriz.
SH: ¿Qué motivó su decisión de incorporar un elemento sonoro en esta instalación?
PD: Me interesaba investigar la voz como sitio y generador de deseo. Estaba escuchando mucha música coral, además de disfrutar de las voces, improvisaciones y estribillos en temas house y pop. La potencialidad erótica de la articulación vocal es algo que fascina tanto a mi colaborador, el compositor moderno Simon O'Connor, como a mí. Para el espectáculo en Sirius, creamos dos partituras musicales, basadas en los temas de atracción, repulsión, intimidad y encuentros entre cuerpos y objetos.
SH: Dadas las actitudes especulativas y orientadas al futuro que se manifiestan en su trabajo reciente, se me pide que termine preguntando: ¿Qué sucede después en su práctica? ¿Tienes una dirección en mente?
PD: Mi intención es examinar cómo la encarnación se produce cultural y tecnológicamente, en un sentido foucaultiano. Deseo abrir grietas en cómo entendemos nuestra relación biopolítica con la tecnología. En 2018, mi trabajo aparecerá en una exposición colectiva en Crawford Art Gallery. Junto con la fotógrafa Claire Ryan, también seré curadora de una exposición en el Sirius Arts Center para el Cork Photo Festival semestral 2018. Desde 2013, he sido profesora de fotografía a tiempo parcial en Crawford College of Art and Design (CIT) y debates críticos sobre cómo se estructuran las composiciones y las imágenes se ha convertido en un aspecto cada vez más importante de mi investigación.
Pádraig Spillane es un artista visual que trabaja con fotografía, collage y ensamblaje. Tiene su sede en Cork.
Sarah Hayden es escritora y conferencista en la Universidad de Southampton.
Nota:
1. Alice Jardine, 'Of Bodies and Technologies' en Dia Art Foundation's Discusiones en la cultura contemporánea número uno, ed. Hal Foster (Seattle: Bay Press, 1987), págs. 151-158.
Imágenes utilizadas: Pádraig Spillane, Deseo paisaje amante de los sueños, 2015, vista de instalación, TACTIC, Cork; fotografía cortesía de Roland Paschhoff. Pádraig Spillane, Posiciones de pulso, 2017, collage digital sobre Hahnemühle 310 gsm, 32 x 37 cm. Pádraig Spillane, Ojos en tiempo futuro, 2017, collage digital sobre Hahnemühle 310 g / m25, 16 x XNUMX cm.
