I 1980 lanserte den britiske regjeringen den nå beryktede kampanjen «Protect and Survive», som hadde som mål å informere innbyggerne om hvordan de kunne beskytte seg i tilfelle et atomangrep. I tillegg til en instruksjonsbrosjyre ble det produsert en serie TV-nyheter, beregnet på sending når regjeringen trodde at et atomangrep var nært forestående. Sendingen av utdrag fra disse nyhetene fremkalte en kombinasjon av utbredt frykt og dyster fascinasjon blant publikum. Atomparanoia og frykt gjennomsyret mye av kulturen som oppsto fra den tiden. Mens noen kunstnere fanget atmosfæren direkte, brukte andre humor eller eskapistisk estetikk som en måte å bearbeide omfanget av situasjonen på. Dette er pent eksemplifisert i tilfellet med Frankie Goes to Hollywoods hymnesang, Two Tribes (1984), som inneholder muntlige bidrag fra den samme skuespilleren hvis stemme ble brukt i TV-infofilmene «Protect and Serve».
Vi er fortsatt i en relativt tidlig fase i den globale krisen skapt av COVID-19-pandemien, og det vil ta år før den fulle omfanget av dens innvirkning kan bli gjenkjent. På kort sikt er de mest synlige konsekvensene de som føles mest håndgripelige, for eksempel den utbredte tendensen til at kunsten blir tilpasset online forbruk. En uunngåelig psykologisk innvirkning har vært at måten vi ser på verden har blitt dramatisk endret, og som et resultat kan kunstverk laget i en fjern fortid anta nye, uventede resonanser. Dette var noe som gjentatte ganger kom til tankene når vi så på 'We Interrupt This Apocalypse' - et online screeningprogram, kuratert av kunstneren Jesse Jones, aemi og Isolation TVs Vaari Claffey, støttet av Salzburger Kunstverein, med redigering av Eavan Aiken.
Ta for eksempel utdragene fra Chris Burdens performance i 1971, med tittelen 220 , der han og tre andre kunstnere sitter på trestiger nedsenket i elektrisk vann. Dette verket er typisk for Burdens forkjærlighet for å tenke ut fysisk risikable – og potensielt dødelige – situasjoner, som har oppnådd legendarisk status og nå bare er kjent gjennom dokumentasjon. Symbolikken i 220 resonnerer på uventede måter med nåtiden der en atmosfære av frykt råder, skapt av en kilde til omgivende fare som paradoksalt nok er usynlig for det blotte øye.
«We Interrupt This Apocalypse» ble unnfanget for å utforske ideer om protest, arbeid, performance, fysiologi, representasjon og publikum. Ved å ta for seg disse konseptene var programmet i hovedsak en grubling over menneskelivets natur under avansert kapitalisme. Dette var spesielt tydelig i tilfellet med Mika Rottenbergs visuelt fengslende verk, Dough (2005–6), som skildrer et samlebånd av kvinner som bearbeider en tyktflytende «kabel» av deig gjennom en rekke rom i en klaustrofobisk, tankbygd fabrikk. Ved å likestille industrielle og kroppslige prosesser føltes dette verket relevant for nåtiden der det er så mye fokus på individets rolle i forhold til det større samfunnet, kombinert med nye forståelser av hvordan vi er avhengige av produksjons- og distribusjonssystemer som er iboende ustabile.
I Oisín Byrnes Bouncer (2020) ser vi flere rader med stoler sperret av med tapestrimler på den måten som har blitt så kjent det siste året. Tørriståke og blinkende lys omgir stolene og skaper en dramatisk mise-en-scène med illevarslende undertoner. Byrnes verk retter oppmerksomheten mot det faktum at krisen (eller mer presist, reaksjonene på den) utilsiktet har ført til fremveksten av nye estetikk- og designløsninger, mange tenkt som beredskapsmekanismer for å forhindre smitte. Ved å fokusere på den svært symbolske prosessen med å teipe av stoler, som fortsatt virker så fremmed, gir dette verket en mulighet til å reflektere over og bearbeide noen av måtene denne traumatiske situasjonen har forandret livene våre på. Dette er kanskje en demonstrasjon av den gamle selvinntrykket om at kunstnere hjelper oss med å gi mening til verden.
Visningsprogrammet ble avbrutt av utdrag fra to filmer av Jesse Jones: The Spectre and the Sphere (2008) og The Other North (2013). Disse «avbruddene» utgjorde et forsøk på å aktivt endre formatet til dette programmet, slik at det utgjorde mer enn bare en enkel samling av videoer. Dette aspektet ved programmet illustrerte også dets konsept spesifikt for formatet det ble sett i – nemlig dataskjermen – med den løse antydningen om at det vi så på kanskje var i likhet med en slags nødsending på TV. Denne vurderingen av hvordan programmet ville bli presentert og sett på, skilte det fra mange andre initiativer, unnfanget for den digitale domenen som svar på COVID-19-krisen.
Den opprinnelige betydningen av begrepet 'apokalypse' stammer fra det greske ordet for 'avduking' eller 'avsløring'. I tidlig jødisk og kristen litteratur betegner en apokalypse at Gud avslører ting som tidligere har vært skjult. Så mens dette begrepet i dag hovedsakelig brukes til å referere til verdensscenarioer, inneholder det fortsatt i konnotasjonen av ny kunnskap og potensialet for belysning. Krisen utløst av COVID-19 har absolutt ført til mange åpenbaringer, forverret eksisterende problemer og avslørt den skjøre tilstanden til et samfunn rammet av en konstellasjon av svakheter. 'Vi avbryter denne apokalypsen' så indirekte på noen av disse symptomene på pandemi og de relaterte kulturelle mønstrene som begynner å dukke opp. Til slutt lyktes dette screeningprogrammet i å avsløre mange ting om den dystopiske tidsalderen vi nå lever i, med å holde et speil for våre eksistensielle bekymringer og overføre bilder av en spekulativ fremtid som gradvis kommer i fokus.
Pádraic E. Moore er forfatter, kurator og kunsthistoriker.
padraicmoore.com
