PÁDRAIG SPILLANE INTERVJUER TRE VISUELLE KUNSTNERE ARBEID I FOTOGRAFI.
Pádraig Spillane: Hver av dere opprettholder det som kan beskrives som en 'hybrid' praksis, og engasjerer seg i både analoge og digitale fotografiske teknikker, mens man presser på parametrene for bildefremstilling og visning. Kanskje du kan introdusere noen av dine arbeidsmetoder?
Roseanne Lynch: Jeg bor midlertidig i Leipzig og lager nytt arbeid med Bauhaus Foundation, Dessau. Opprinnelig var dette nye arbeidet et svar på Bauhaus skolebygning (designet av Walter Gropius og bygget i 1926), så vel som forskningsarkivet for bygninger og materialer. Arbeidet har imidlertid kommet. Nå bringer jeg praksis til prinsippene i Bauhaus-skolens forkurs, som la vekt på å starte på nytt og eksperimentere med materialer. For dette er hovedmediet mitt fotogram. Jeg plasserer gjenstander på lysfølsomt papir i mørkerommet og skinner lys på dem for å skape spor, i stedet for fotografier av gjenstandene. Geometriske former og materialer knyttet til Bauhaus-arkitekturen og fotograferingsmediet er mitt emne. Jeg ønsker å forstå materialgrammatikken.
Darn Thorn: For meg betyr ideen om hybrid praksis å bruke bestemte medier, som et middel til å utstede en provokasjon eller fremkalle et svar hos betrakteren. Arbeidet mitt arbeider ofte med historisk emne: ideer om utopi og virkningen av kulturelle traumer. Ved å kombinere tradisjonelle og samtidige prosesser i min praksis skapes tvetydighet, hvor bildet ikke er 'gammelt' eller 'nytt', men noe mindre klassifiserbart - kanskje til og med noe mutant. Av denne grunn endres valg av media jeg bruker for hvert prosjekt.
Róisín White: Jeg beskriver min praksis som først og fremst linsebasert, ved hjelp av arkiv og funnet fotografering, kombinert med collage og skulpturelle teknikker. Fotografering er utgangspunktet - det være seg bilder jeg har laget, eller bilder jeg har funnet i magasiner, auksjoner på nettet eller i livssituasjoner. Hver omstendighet med å finne gnister noe annet i arbeidet. Jeg er aldri fornøyd når det er "bare et fotografi". Jeg bruker collage for å endre og intensivere bildet. Jeg gjengir bilder på forskjellige papirer og materialer for å se hvordan de reagerer på disse overflatene. Jeg leter etter støtter som gir en interessant kant, en gang revet. Jeg liker å trykke flere ganger, rive dem opp, flytte og fikse dem. Dette intime og taktile engasjementet med bildenes vesentlighet er viktig for min arbeidsprosess. Jeg prøver å utvide min praksis til skulptur, ved å inkorporere fotografering med 3D-objekter, uten at det bare er et bilde på et objekt.
PS: Utvidet fotografisk praksis fremhever hvordan bilder fungerer - hvordan de blir opprettet og konsumert; hvordan de kan endres ved formidling, lagring og tilgang; samtidig som de adresserer kraftstrukturene som krysser seg via bilder. Ved å ta på seg en ytelsesbasert rolle kan bilder overskride kategorier eller gjøre dem permeable. Hvordan nærmer du deg bildefremstilling innen disse porøse grensene?
RL: Min praksis forbinder forskjellige territorier i mediet. Selv om jeg jobber hovedsakelig i mørkerommet, er jeg ikke puritansk når det gjelder analog fotografering. Jeg skanner negativer og fotogrammer for å lage større digitale utskrifter enn kroppen min fysisk tillater. Jeg bruker hvilke strategier arbeidet trenger. Min interesse er å la spørsmål være uløste, samtidig som jeg tillater aktiv utveksling mellom arbeid og seer. Av denne grunn har jeg skrevet ut på aluminium og brukt reflekterende overflater i installasjoner, som refererer til betrakterens blikk og gjør oppmerksom på bildestrukturen på uventede måter. Fototrykket som skulpturelt objekt er en annen utvidelse jeg jobber med. I mørkerommet legger jeg standardbrettet til en arkitektonisk tegning på et ark fotopapir. Jeg bretter ut papiret og tenner det med en fakkel. Det som produseres er en representasjon av seg selv. Det er bevis på situasjonen for sin egen fremstilling, ingenting annet.
DT: Jeg tror det er nettopp denne kapasiteten - dette andre livet som utvidet praksis skaper for bildet - som interesserer meg. En maktstruktur som kan begrense myndighetens ansvarsområde er den institusjonelle kategoriseringen av fotografering og hva som er utvidet praksis. For eksempel er det gode institusjoner og publikasjoner her i Irland som fokuserer på fotografering, men som egentlig ikke har muligheten til å flytte bilde- eller installasjonsinnhold. Utvidet praksis kan unngå parametrene til den konvensjonelle fotoserien. Det fungerer ikke alltid i fotobokformat, og i mange tilfeller må det oppstå som en installasjon.
RW: Jeg drar nytte av disse permeable grensene. Imidlertid gruer jeg meg fortsatt til det spørsmålet: "så hva slags fotografering gjør du?" Min praksis er så variert at det kan være vanskelig å forklare som en "heis pitch". Det er sjelden et enkelt bildeverk. Når jeg jobber med prosjekter, vil en sentral forskningssøyle informere produksjonen av alle kunstverkene. Jeg kan jobbe med skulpturer i noen uker, og deretter gå tilbake til bilder og se hvordan de kan krysse pollinere. Denne prosessbaserte tilnærmingen til image-making er befriende og produktiv. Mens det meste av arbeidet i studioet aldri ser lyset fra galleriet, eller til og med nettstedet mitt, liker jeg å kunne dele øyeblikksbilder av prosessen min på Instagram. Dette har gjort det mulig for meg å teste brikker og dele bilder bak kulissene med mennesker fra hele verden. På samme måte får jeg innsikt i arbeidet deres. Selv om mange ting jeg deler ender med å bli utstilt, er det versjoner av arbeid som bare overlever på Instagram. Jeg bruker plattformen som en offentlig notisbok som er åpen for kritikk. Jeg synes det er en nyttig måte å holde jevnaldrende med i praksis.
PS: Bilder (og våre relasjoner til dem) er viklet inn i et komplekst utvalg av konkurrerende og påvirkende påvirkninger. Kan du diskutere hvordan arbeidet ditt tar form og manifesterer seg?
RL: Mine verk gir seerne innsikt i min nysgjerrighet angående fotografiske prosesser. Min interesse for fotogrammer er at de bare gjelder seg selv som overflate, objekt og materiale. En ny tilnærming til fotogramarbeidet mitt er å tegne geometriske former med grafitt på overflaten av eksponert og bearbeidet halvmatt fotopapir. Deretter setter jeg på en våt pensel, og endrer grafittoverflaten og utskriften igjen. Det reflekterer lys forskjellig, avhengig av synsvinkelen. I likhet med mine tidligere arbeider trykt direkte på aluminium, avhenger hva en betrakter ser av hvor de er plassert i forhold til verket.
DT: I teatret kan en regissør ta beslutningen om å bruke en konvensjonell scene, der handlingen skjer bak en prosceniumbue som fungerer som en ramme for dramaet. I denne situasjonen er publikum en passiv observatør. I fotografering er parallellen fotoboken eller det innrammede bildet. Som et visningsformat kan begge fungere bra, hovedsakelig fordi de samsvarer med ideen vår om hva et fotografi er. Men hva om verket krever at vi aktiverer publikum, og foreslår at de har en annen fysisk interaksjon? Hva om vi betrakter det fotografiske bildet i et tredimensjonalt rom? Jeg tror at dette har påvirket meg til å bruke ukonvensjonelle medier - tapet, kommersielt produserte vinylbannere, 3D-glassetsing og så videre - som en måte å stille spørsmål ved våre antagelser om hva et fotografisk bilde kan være.
RW: Jeg har nylig jobbet med ideen om hvordan et bilde kan bygges. Jeg designer og konstruerer skulpturer, med den hensikt å fotografere dem, slik at fotografiene fungerer som motiver eller scenesett. Jeg er interessert i hvordan dette kan skape surrealistiske og uhyggelige bilder. Mens betrakteren kanskje bare ser et 'fotografi', er det som skjer med bildefremstillingen så mye mer. Kanskje er det fysisk arbeid som kreves for å skape et bilde som er givende; eller å vite at et fotografi består av mer enn det som ser ut.
PS: Fotografier er en del av vårt daglige utveksling og samspill, produsert ofte og vanlig på enheter som nesten er en del av oss. Hvordan ser du din praksis operere midt i denne overflod av demokratisk image-making?
RL: Fotografering forstås for det meste som et medium for å dokumentere den ytre verden. Imidlertid bruker jeg mediet selvrefleksivt for å uttrykke interne abstrakte følelser som kommer gjennom å lage strategier - skjørhet, usikkerhet og andre emosjonelle resonanser. Min praksis undersøker historisk diskurs og sporer fotografiets innvirkning på vår tolkning av bilder og på våre levde opplevelser. Jeg bruker prosessen med å lage fotogrammer for å demontere den fotografiske prosessen i komponentene: lys, tid, lysfølsom overflate og gjenstand. Jeg stiller spørsmål ved hvordan vi oppfatter det vi kjenner igjen, når vi ser på fotografiske overflater.
DT: Ved å bruke pseudonymet, Darn Thorn, blir ideen om forfatterskap i mitt arbeid automatisk satt i tvil. Det er en vits, laget for min egen regning, om forestillingen om "kunstner som enestående geni". Teknologi har gjort produksjonen av bilder med høy oppløsning lettere; det som tidligere bare var mulig med spesialutstyr og fagopplæring er nå, i det minste teoretisk, tilgjengelig for mange. I vårt nåværende øyeblikk foretrekker nyhetsmedier amatørfilm fremfor essayet. I denne sammenhengen lurer jeg på hva en konvensjonell fotoserie har å si? Selvutgitte fotobøker er et demokratiserende fenomen; men det er en tendens til at de tilhørende fotofestivalene og publikasjonene lener seg mot en redaksjonell tilnærming. De fremmer ofte en type fotografering som deler kontinuiteten i fortellingen som vi ser i fotojournalistikk. Jeg svarer på disse betraktningene leken, ved å lage verk som bare overlever en installasjon, eller som er for pinlige til å lett selges. Jeg vil at publikum skal stille spørsmål ved hva som skjer. Slik sett er det et performativt element i min praksis. Ved å lage store bilder av monumental arkitektur eller landskap foreslår jeg noe absurd for betrakteren. Disse verkene har en følelse av drama og betydning, men er bevisst vanskelig å dekode. De påkaller ideer om det sublime, delvis påkalt ironisk: Hvordan kan noe så stort og tilsynelatende betydelig være så vanskelig å lese?
RW: Min praksis trekker på trykksaker før internett, fra en tid da bilder trengte å være et objekt å eksistere. Jeg bruker overflod av trykte bilder som eksisterer fra en fortid da vi pleide å skrive ut bildene våre for å dele - eller når vi kjøpte magasiner, aviser og illustrerte leksikon, for å se andre steder og ting fra hele verden. Det som tiltrekker meg til fundne bilder, er appellen til forskjellige estetikk, så vel som lokket fra en tid da jeg ikke var til stede - med disse bildene ble et lager for mening. Med fremkomsten av kameratelefoner produserer vi nå samlet flere bilder per dag enn vi pleide å gjøre på et år. Disse digitale bildene er så skjøre. De finnes på enheter som ikke er bygget for å vare mer enn fem år. Jeg lurer på hvordan vi finner bilder om tjue eller femti år?
Roseanne Lynch er for tiden basert i Leipzig og lager arbeid for et gruppeshow på Ballarat International Foto Biennale, Australia, og et solo-show på Centre Culturel Irlandais, Paris.
Darn Thorn jobber med fotografering og installasjon. Nylige utstillinger inkluderer EVA International 2018 og '2116' på Glucksman Gallery (Cork) og Broad Art Museum (USA). Han underviser ved CIT Crawford College of Art and Design.
Róisín White er en billedkunstner med base i Dublin. Hun jobber i linsebaserte medier og fant materialer, med nylige utstillinger på Museum of Contemporary Photography of Ireland og Finnish Museum of Photography.
Pádraig Spillane er kunstner, kurator og pedagog, underviser ved CIT Crawford College of Art and Design. Han jobber med fotografering, bevilgning og objektbaserte samlinger, med arbeid med i et kommende gruppeshow på The Complex, Dublin.
Utvalgte bilder: Dorn Thorn, Oppdater, 2018, fremdeles fra 16 mm film, svart og hvitt; høflighet av kunstneren.
