Thomas Pool: Ce ne poți spune despre practica ta? Cum ai ajuns să fii ilustrator și ce îți motivează munca?
Conor Nolan: De fapt, nu am fost întotdeauna interesat de ilustrație, dar o fac de când am terminat facultatea în 2016. Când plecam de la școală, nu știam ce vreau să fac și nu aveam un portofoliu împreună. sau orice așa că am ajuns să fac un curs de portofoliu timp de un an. A fost un curs grozav, dar am fost cu adevărat împrăștiat când eram mai tânăr și am ajuns doar să intru în NCAD de pielea dinților. Cred că sentimentul în care abia mă simțeam m-a făcut să simt că trebuie să muncesc din greu pentru a ajunge din urmă și, în primul meu an, am intrat cu adevărat în o grămadă de lucruri diferite, inclusiv sculptură și fotografia analogică. Eram pe cale de a studia mass-media sau sculptura și chiar am făcut o carte foto completă alb-negru într-o cameră întunecată la un moment dat pentru o misiune. Dar pentru un proiect mai târziu, în anul doi de facultate, a trebuit să facem ilustrații ca parte a briefului și mi-a rămas oarecum de acolo.
Ilustrația pentru mine a fost ceva foarte strâns legat de tipărirea și alte procese și cred că a continua să fiu curios despre diferite procese m-a ținut motivat. Simt că, dacă încerci să descoperi un nou proces, cum ar fi pictarea pe o vază sau realizarea ceva din lut, implicarea în proces și încercarea de a-l da seama mă împiedică să mă gândesc prea mult la imagini sau încercând să-l facă prea perfect, ceea ce nu va fi niciodată. Tocmai am încercat să învăț tot timpul.
TP: Utilizarea distinctă de către lucrarea dvs. a formelor îndrăznețe, unghiulare cu palete de culori strălucitoare atrage atenția în magazinele de tipografie sau când mergeți pe George's Street sau pe lângă The Bernard Shaw Pub. Cum a evoluat stilul tău de-a lungul anilor?
CN: Am ajuns să studiez Comunicarea vizuală la facultate, care la acea vreme în NCAD era un termen general pentru ceea ce era în principal un curs de design grafic în care studenții erau liberi să exploreze alte domenii precum ilustrația, imaginea în mișcare și fotografia. Cred că această bază în design grafic și înțelegerea pe care am obținut-o asupra modului în care designul se potrivește într-un context comercial, m-au ajutat cu adevărat să îmi dau seama ce făceam.
În timp ce încercam să stabilesc un stil, am învățat să descompun lucrurile în formele și componentele lor de bază și să le reconstruiesc. Apoi am fost foarte interesat de afișele serigrafiate vechi și, în general, am fost influențat de mediile tipărite tactile care se simțeau foarte tangibile și accesibile, de parcă ai putea vedea procesele din ieșire, ceea ce m-a ajutat la modelarea abordării mele față de culoare și textură.
Când am început acest proces, m-am concentrat în mare măsură pe modul în care aș desena oamenii și personajele și am petrecut mult timp încercând să îmi dau seama cum să fac oameni care să se simtă realiști. Nu în sensul fotorealist, ci în sensul că ar putea exista într-o lume și apoi aș putea folosi regulile vizuale ale oamenilor – proporțiile, culorile, texturile lor – pentru a decide cum arată restul acelei lumi. Mai recent, m-am relaxat puțin și am încercat să iau fiecare brief pe cont propriu și să văd cum pot face ca oamenii și lucrurile să se potrivească într-un spațiu în așa fel încât să îndeplinească brief-ul. Este o abordare puțin mai relaxată, dar una care cred că este mai provocatoare, mai puțin repetitivă, mai puțin previzibilă. De asemenea, continuarea experimentării cu mai multe procese a informat lucrurile într-un mod similar.
TP: Munca ta ca ilustrator a dus la crearea multor articole vestimentare unice, cum ar fi pulovere, tricouri, pălării și eșarfe, precum și felicitări, genți de tote, cutii de ciocolată, steaguri, pături și chiar o acțiune figura. Cum vedeți intersecția dintre meșteșug și ilustrație?
CN: Există o mulțime de motive pentru care fac asta. Am un obicei de a privi diferite obiecte/ieșiri/aplicații pe care nu le-am folosit anterior și să mă întreb cum s-ar simți munca pe care o fac în acel context. Procesele implicate în realizarea operei de artă preia foarte mult greutatea luării deciziilor și îmi rețin foarte mult atenția, care poate fi puțin împrăștiată. De exemplu, dacă procesul nu îmi permite să adaug semitonuri la o imagine, mă voi descurca fără ele. Dacă pictez un obiect 3D și doar o parte a acestuia este vizibilă la un moment dat, încerc să fac o imagine care să funcționeze când doar acea parte este vizibilă și așa mai departe.
La un alt nivel, cred că este frumos să faci lucruri pe care oamenii să le poată ține și să le folosească. Pentru mine, este o modalitate drăguță de a intra în legătură cu oameni dincolo de ei, doar văzând munca pe un ecran. Pe articolele mai individuale, cum ar fi un skateboard pictat manual sau o figură de acțiune, cred că procesul este foarte vizibil și, așa cum am spus, sunt foarte atras de unde metodele au impact asupra aspectului produsului final. .
TP: Ați mai lucrat cu clienți irlandezi și internaționali precum Facebook și Jameson. Pe măsură ce multe alte companii încep să folosească AI pentru alternative de marketing mai ieftine, cum vedeți viitorul designului și ilustrației comandate?
CN: Sunt câteva probleme pe care le am cu el. Una este situația în care un artist sau un ilustrator pierde din muncă pentru că este folosită AI, iar cealaltă este că acest software AI este antrenat prin răzuirea bibliotecilor de lucrări realizate de oameni reali și apoi regurgitarea acestora pentru a face imagini noi. Cred că multă artă AI este pur și simplu proastă, chiar dacă trece de problema oamenilor care au mâini ciudate și brațe suplimentare. Nu există niciun gând original în spate și tot ce poate face, în acest moment, este să remanieze informațiile pe care le are deja. Drept urmare, calitatea este slabă, imaginile nu sunt luate în considerare și, dacă companiile le folosesc, trimit mesajul că nu le pasă de calitate și că primesc și un produs mai prost. Recent, ascultam un podcast în care una dintre cele două co-gazdă a sugerat să ceară ChatGPT să verifice faptele o întrebare ușor complexă care a apărut, iar cealaltă co-gazdă a renunțat spunând „Cred că probabil vei primi un răspuns vag, generic, care poate fi sau nu adevărat”. Acesta este același nivel de calitate care vine cu partea vizuală a lucrurilor.
În a doua problemă, nu este chiar o problemă nouă. Artiștii își fac întotdeauna munca copiată de către alții și cred că cel mai bun mod de a combate acest lucru este de a face munca care este mai greu de copiat. Este ceva ce încerc în mod activ să fac în propria mea muncă – să fac o muncă care să fie un pic mai aglomerată, mai plină, mai elaborată, mai detaliată, pentru că, în anumite privințe, stilul meu este foarte simplist și nu-mi place ideea de o persoană sau o bucată de software doar copiand-o de parcă ar fi venit cu acele idei. Latura AI a lucrurilor este, evident, mai nedreaptă, deoarece AI poate face asta mult mai repede decât o persoană și cred că asta exploatează munca oamenilor și că proprietatea intelectuală a oamenilor ar trebui protejată împotriva AI. Deoarece munca mea este atât de înrădăcinată în sentimentul tactil, organic și tangibil, sper că orice client potențial să înțeleagă că utilizarea AI nu le va oferi același lucru.
TP: Ce urmează pentru tine? Există proiecte viitoare pe care ați dori să ne împărtășiți?
CN: Ei bine, eu și partenerul meu Izzy tocmai am terminat de găzduit prima noastră expoziție cu studioul nostru de risografie, „Way Bad Press”, la Hen's Teeth din Dublin, și sperăm că vom avea câteva zine și alte lucruri care vor fi lansate acolo în curând. Depun multă energie în asta și am și o mână de lucruri mărunte la orizont pe care probabil că nu le pot aminti încă. Dar fii cu ochii pe Instagramul meu, care este, în general, centrul pentru tot ceea ce fac.
Conor Nolan este artist și ilustrator.
