Trung tâm Nghệ thuật Ards, ngày 5 – 14 tháng 8
"Creative Peninsula" không hoạt động như một triển lãm được tuyển chọn vì nó không phải là một triển lãm như vậy. Điều này cần được đề cập nhưng có vẻ hơi khó hiểu khi chỉ ra, bởi vì việc tổ chức triển lãm thực sự không phải là mục đích của bộ sưu tập tác phẩm này. "Creative Peninsula" là một sự kiện thường niên do chính quyền địa phương Ards và North Down tổ chức, với mục đích đơn giản là giới thiệu các nghệ sĩ và nhà sáng tạo trong khu vực. Do đó, các tác phẩm trong đó vô cùng đa dạng về chủ đề, phương tiện và tính nghiêm túc. Tuy nhiên, như thường thấy trong các sự kiện quy mô lớn tương tự – ví dụ như triển lãm nhóm studio, hoặc thuyết trình của sinh viên năm cuối – việc nhóm các hoạt động chỉ dựa trên vị trí địa lý chung là không đủ để tạo ra một cái gì đó lớn hơn tổng các phần riêng lẻ. Vì vậy, "Creative Peninsula" giống một bộ sưu tập rời rạc các tiếng nói cá nhân hơn là một triển lãm mạch lạc.
Tuy nhiên, khảo sát dựa trên vị trí có thể là một cách hữu ích để đo nhiệt độ nghệ thuật của một địa điểm và có thể quan sát cách một khu vực cụ thể đã ảnh hưởng đến những hoạt động bên trong nó. Với tất cả những người tham gia làm việc từ khu vực Ards và North Down, tác động mạnh mẽ của cảnh quan tự nhiên, ven biển của khu vực là rõ ràng. Bảng màu cấp ba, dạng hữu cơ, cảnh bãi biển và động vật hoang dã địa phương rất phổ biến trong phổ biến này của các tác phẩm hội họa, điêu khắc, thủ công, thơ ca, đồ trang sức và đồ nội thất.
Triển lãm mở đầu với tuyển chọn các tác phẩm lấy cảm hứng từ biển, được thể hiện qua dệt may, in ấn, điêu khắc phù điêu và hội họa. Bức tranh Gígjökull của Andrew Haire , dù rõ ràng không đề cập đến đường bờ biển địa phương, vẫn thuộc nhóm này. Tác phẩm này có cách tiếp cận chủ đề ít truyền thống hơn, với những lớp sơn dày và những đốm vàng tạo cho đường bờ biển u ám một cảm giác ẩm ướt, nhờn rít. Nó có bầu không khí tương tự như tác phẩm Intrepid Voyagers của Cecilia Stephens , một bức tranh phong cảnh bằng vải với chất lượng mờ ảo tương tự, được hình thành trong các lớp dệt. Bản in lụa đơn sắc Phytoplankton của Rosy Ennis cũng rất độc đáo, gợi nhớ đến một hình minh họa trong sách giáo khoa sinh học cũ về cảnh quan của đời sống vi mô.
Trong một cuộc triển lãm bắt nguồn từ thủ công phức tạp và nghệ thuật truyền thống, các tác phẩm gốm của Patricia Miller bát Bogland, Victoria Bentham's Locus amoenis và Alan McCluney's Bộ ba tàu nổi bật mặc dù thế mạnh của sự kết hợp màu hữu cơ, có tông màu sâu và sự tương phản kết cấu tinh tế. Mặc dù xuất phát điểm là dạng kim khí, nhưng chúng mang tính điêu khắc hơn là tiện dụng.
Ngược lại, tác phẩm điêu khắc What We Hear của Sally Houston lại sử dụng phương pháp vật liệu tái chế, với những mảnh vỡ của đồ gốm vỡ vụn được đổ vào tai của một hình đầu đơn giản được quét vôi trắng. Mặc dù tác phẩm này giống như một bản phác thảo vật lý cho một tác phẩm hoàn chỉnh trong tương lai, nhưng cách tiếp cận này – kết hợp các vật liệu tái chế và bất ngờ – cho phép tác phẩm liên hệ với những thứ vốn dĩ vắng mặt trong không gian trung tâm nghệ thuật có phần khô khan. Tác phẩm Worm Got The Bird của Owen Crawford là một ví dụ khác: đó là một con chim đơn giản, được chạm khắc mịn bằng gỗ tối màu, đặt trên một hình trụ bê tông thô ráp, nhuốm màu gỉ sét. Được đặt tách biệt khỏi không gian bên trong và có vật thể để cọ xát vào, cách tiếp cận này tạo ra sự căng thẳng và tách biệt tác phẩm khỏi những quan niệm thông thường về nghề thủ công và vị trí của nó trong không gian nội thất.
Trong bộ sưu tập chủ yếu mang tính tượng hình này, những tác phẩm thể hiện sự thử nghiệm và chất liệu trừu tượng thu hút sự chú ý. Tuy nhiên, vẫn có rất nhiều kỹ thuật vẽ ấn tượng được trưng bày. Năng lượng cuồng nhiệt trong tác phẩm Thỏ Canh Gác (Watchful Hare) , một bức vẽ than chì táo bạo của Elaine Burke, mang đến cảm giác về tính khí lo lắng của con vật, trong khi ở thái cực đối lập, tác phẩm Ánh Trăng Trở Thành Bạn (Moonlight Becomes You) của Lee Boyd là một bức vẽ chì hình người được thực hiện tỉ mỉ và khéo léo. Tác phẩm Người Mẫu Vươn Lên/Đỏ Trên Xanh (Rising Model/Red on Blue) của Dennis Healey , thoạt nhìn có vẻ là một tác phẩm hoàn toàn trừu tượng, dần dần hé lộ hình dạng con người thông qua sáu bản in kỹ thuật số màu đỏ và xanh lam lặp lại. Tác phẩm Tĩnh Vật Lạc Đà và Gương (Camel and Mirror Still Life) của Craig Jefferson hoạt động theo cách tương tự; với lớp sơn dầu dày, nghệ sĩ sử dụng chủ đề một cách gián tiếp, tập trung vào bố cục và màu sắc trong khi các yếu tố tượng hình thỉnh thoảng dần dần được hé lộ cho người xem.
'Bán đảo Sáng tạo' là một triển lãm hỗn hợp của các nghệ sĩ chuyên nghiệp và những người có lẽ chỉ mới bắt đầu thực hành sáng tạo của họ. Điều này vốn dĩ không có gì sai, đặc biệt là với mục đích của buổi triển lãm, nhưng về tổng thể, triển lãm có thể được hưởng lợi từ một quy trình lựa chọn cụ thể hơn, một chủ đề rõ ràng để xem xét, hoặc ít nhất là một không gian triển lãm lớn hơn. Có 59 mảnh trong một khu vực thoải mái hơn một phần ba con số này. Kết quả là thiếu chỗ thở cho mỗi tác phẩm. Cũng rất khó để hiểu rõ về những gì ở đó, không có gì đại diện cho từng nghệ sĩ ngoài danh sách tên tuổi, danh hiệu và giá cả. Hơn nữa, việc giới thiệu một số nghệ sĩ làm việc trong lĩnh vực phim, sắp đặt, nhiếp ảnh, biểu diễn hoặc phương tiện kỹ thuật số trong khu vực sẽ được thêm vào triển lãm. Có lẽ việc chỉ trích chương trình không được giám tuyển là quá dễ dàng và bác bỏ mục đích của loại hình triển lãm này. Tuy nhiên, để làm việc với những gì được trưng bày và không chống lại nó, rõ ràng là các giá trị giám tuyển đó vẫn cần thiết.
Dorothy Hunter là một nghệ sĩ và nhà văn sống tại Belfast.
Hình ảnh: Owen Crawford, Worm Got the Bird ; Lindsay Press, The Flock.
