JOANNE LAWS INTERVISTA DAPHNE WRIGHT IN VISTA DELLA SUA MOSTRA PERSONALE ALL'ASHMOLEAN MUSEUM.
Joanne Laws: Abbiamo studiato entrambe alla Sligo RTC (ora Atlantic Technological University). Io ho studiato Belle Arti alla fine degli anni '90, durante un periodo stimolante per le scultrici irlandesi. C'era un senso di ottimismo in quel periodo, o lo slancio è arrivato contro ogni previsione?
Daphne Wright: Beh, tutti se ne sono andati negli anni '80: la recessione è stata brutale. Io ho lasciato l'Irlanda nel 1989. Negli anni '90, ricordo di essere passata da una borsa di studio all'altra e da una residenza all'altra, per sostenere la mia attività. Sono stata borsista a Cheltenham, borsista Henry Moore a Manchester e ho trascorso un anno alla British School di Roma. Durante i miei studi a Sligo, nei primi anni '80, ci venivano costantemente segnalate scultrici davvero valide; imparavo continuamente parlando e conversando. Il corpo docente a Sligo all'epoca includeva Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly e John O'Leary. C'erano anche Robert Stewart e Peter Charney: lui era australiano e aveva un punto di vista completamente diverso. Ho studiato scultura e ceramica, ma eravamo un gruppo così piccolo che eravamo tutti amichevoli tra di noi.
JL: Ora che sei tornato a Dublino, hai uno studio?
DW: Ho trasformato due stanze della mia casa in un unico spazio, ed è lì che di solito lavoro. Ne sono molto grata, perché affittare uno studio è davvero costoso. È così che ho dovuto fare, fin da quando ho avuto figli; è diventato un processo particolare, e adoro questa routine. Quando realizzo una grande scultura, affitto temporaneamente il laboratorio di un ebanista nel nord-ovest dell'Irlanda.
JL: Come si svolge la tua routine quotidiana in studio?
DW: Passavo molto tempo a testare, esplorare e creare cose. Non solo testavo i materiali; leggevo, facevo ricerche e alimentavo il mio cervello allo stesso tempo. Una volta che iniziavo a capire cosa stavo facendo, allora lo realizzavo – e spesso è la parte più bella. A volte, lavoravo a un'opera davvero grande, il che non significava solo realizzarla, ma anche raccogliere i fondi per finanziarla.
JL: Le figure a grandezza naturale dei suoi due figli sono già state presenti nei suoi lavori. Sono state realizzate tramite fusione?
DW: Quando i ragazzi erano più piccoli, facevo Tavolo della cucina (2014) in Jesmonite dipinta a mano, che ha comportato la fusione di ciascuno di loro separatamente in pezzi più piccoli. Questo è avvenuto mentre stavano appena uscendo dall'infanzia e entrando nell'adolescenza. Oltre dieci anni dopo, ho ottenuto il consenso per fonderli di nuovo, ora che sono sulla soglia dell'età adulta, per una nuova opera intitolata Figli e divano (2025) che verrà esposta per la prima volta quest'estate.
Le figure sono calchi completi e vuoti. Sono state realizzate utilizzando l'antica tecnica del calco dal vero, e questo è davvero importante. Non è generato al computer o stampato in 3D; è un processo tradizionale molto laborioso. È anche un'impresa notevole per la persona che viene calcata, perché il corpo è completamente rivestito, anche se in momenti diversi. Si usa il gesso per prendere un calco del corpo, come per intrappolare un momento nel tempo.
Quando i calchi vengono assemblati in una scultura completa, il tutto viene dipinto con un colore tenue, che ha l'essenza della memoria. Non è un colore reale, ma il modo in cui si potrebbe ricordare un colore. Le figure vengono poi assemblate in un'installazione o in una scena scultorea. È con questo che mi sto confrontando al momento, perché a volte ho più elementi del necessario. Può essere un processo doloroso, ridurre a ciò che è necessario e a ciò che funziona.
JL: Il domestico sembra essere un tema ricorrente nelle tue composizioni scultoree, che includono figure, oggetti personali, piante ed elettrodomestici. Perché?
DW: Beh, ci sono un paio di cose che rendono la cosa un po' complicata. Innanzitutto, vai nei musei e scopri che ci sono pochissime artiste rappresentate nelle collezioni. C'è qualcosa di davvero interessante nei calchi e nella cattura del tempo che monumentalizza l'aspetto domestico, ponendo al contempo la maternità e il femminile al centro del museo. Inoltre, mi chiedo spesso perché ci siano certi oggetti nei nostri musei che sono muti o silenziosi. Diventano stagnanti, suppongo, e il loro senso di essere un'opera d'arte di fatto svanisce. Per me, questa è una preoccupazione centrale. Quando un'opera d'arte ha una presenza e un'anima proprie, allora gli altri oggetti diventano solo oggetti di scena.
Oltre a Sons e Couch, ci saranno altri oggetti in mostra, tra cui Natura morta del frigorifero (2021) – un frigorifero aperto in argilla cruda, contenente i soliti oggetti sugli scaffali, come un pollo pronto per essere infornato. Sopra il frigorifero, c'è un grande vaso di tulipani in via di decomposizione. Quindi, per molti versi, è una natura morta contemporanea, che evoca domande al centro della vita domestica: chi riempie il frigorifero, chi lo svuota e per chi stiamo cucinando?
JL: Quest'estate l'Ashmolean Museum di Oxford presenterà una tua mostra personale. Presenterà nuovi lavori, sviluppati in risposta alle sculture della Ashmolean Cast Gallery. Cosa puoi raccontarci di questa mostra?
DW: Il titolo della mostra, "Deep Rooted Things", è tratto da un verso della poesia di Yeats, La Galleria Municipale Rivisitata (1939): "I miei figli possono trovare qui cose profondamente radicate". La Galleria dei Calchi dell'Ashmolean è davvero straordinaria. Contiene calchi di epoca greca e romana quasi completi. C'è un'affascinante collezione di atleti che conservano ancora le qualità dei giovani. Portavo spesso i bambini all'Ashmolean quando erano piccoli, quindi, in un certo senso, fa parte della loro educazione e del loro apprendimento. Il fascino che si prova, come madre e come artista, guardando gli oggetti, li permea a sua volta di fascino.
La mostra si inserisce anche nella collezione della Hugh Lane Gallery, dedicando particolare attenzione alla tradizione della natura morta. La collezione comprende dipinti floreali di alcune delle primissime donne irlandesi ad aver frequentato l'università o una scuola d'arte, molte delle quali hanno studiato nel Regno Unito o in Francia. I loro dipinti floreali sono di una bellezza straordinaria e di una discreta radicalità. Sono presenti anche alcuni ritratti molto toccanti, tra cui uno splendido ritratto di W.B. Yeats da bambino mentre legge un libro, dipinto da suo padre, John Butler Yeats, intorno al 1886.
Queste opere saranno riprodotte in una pubblicazione di accompagnamento, accompagnate da testi di Emily LaBarge, del direttore dell'Ashmolean Museum, Alexander Sturgis, e della direttrice della Hugh Lane Gallery, Barbara Dawson. La mostra si propone di combinare queste istituzioni e di analizzare le differenze nelle loro collezioni: una è una collezione di antichità di livello mondiale, mentre l'altra è una collezione nazionale più moderna, contenente opere contemporanee. Utilizzano linguaggi diversi, ma per me è tutta museologia, permeata di dimensione domestica.
JL: Sembra che ci sia il tema ricorrente dei giovani uomini, ritratti in tutte le epoche?
DW: È vero: giovani uomini in un momento cruciale della loro vita, che si tratti dei giovani atleti della collezione Ashmolean o dei miei figli alle soglie dell'età adulta. Probabilmente, pressioni simili esistevano per i giovani uomini sia nell'epoca classica che in quella contemporanea. Gran parte di questo sottotesto non è verbale; tuttavia, lo conosciamo istintivamente. Credo che sia proprio lì che si colloca in gran parte il mio lavoro: a questo tipo di soglie universalmente riconosciute.
"Ashmolean Now, Daphne Wright: Deep-Rooted Things" sarà presentata all'Ashmolean Museum di Oxford dal 13 giugno 2025 all'8 febbraio 2026. La realizzazione di nuove opere per questa mostra è stata sostenuta dal Visual Art Project Award dell'Arts Council of Ireland.
ashmolean.org
