JOANNE LAWS ИНТЕРВЮТА ELIZABETH MAGILL ЗА НЕЙНАТА ЖИВОПИСНА ПРАКТИКА.
Джоан Лоуз: Можете ли да опишете обстановката си в студиото и вашата рутина на рисуване?
Елизабет Магил: Ателието ми е в комплекс с други художници, ръководени от организацията ACME в Източен Лондон. Това е бял куб с площ от 700 квадратни метра със светлина, идваща от юг и гледаща към Mill Row, тясна еднопосочна улица, засенчена от четириетажен кафяв тухлен и сив бетонен блок от общински апартаменти, построен през 1970-те години. Тук съм от дълго време, така че съм свикнал с тази гледка. Харесва ми визуалната намеса на ниско ниво. Имам и по-малко работно пространство на брега на Антрим, но когато съм там, сякаш просто се взирам в красивите гледки с изглед към морето. Моята рутина е непостоянна, тъй като често тичам и правя други неща. В миналото имах по-уплътнени студийни периоди, когато работех поне шест дни в седмицата, понякога работех по цял ден и през нощта, но това вече не съм аз.
JL: Някъде четох, че не е задължително да се отнасяте към себе си като художник на пейзажи и въпреки това ангажираността ви през целия живот е очевидна в работата ви. Какви национални пейзажи сте склонни да черпите, ако има такива?
ЕМ: Зает съм с жанра пейзаж като начин да изследвам езика на изкуството, възможностите на живописта и идеите около личната биография. За мен изглежда предлага пространство, което да се опита да мисли за по-голямата картина и какво означава да си част от този свят. Пейзажът, който влиза в работата ми, идва най-вече от географските характеристики около Гленс от Антрим, където съм израснал. Изглежда това ми осигури някакъв визуален фон. Този конкретен ъгъл на Ирландия е живописно доста красив, но историята там често изглежда в противоречие или в противоречие с тази природна красота. Покойният велик Джон Бергер в последната си публикация, Пейзажи: Джон Бергер за изкуството, пише: „Понякога пейзажът изглежда по-малко среда за живота на жителите му, отколкото завеса, зад която се развиват техните борби, постижения и аварии ... забележителностите вече са не само географски, но и биографични и лични“.
JL: Кои аспекти на традиционния канон на пейзажната живопис ви интересуват най-много?
ЕМ: Има много художници, на които се възхищавам, които попадат конкретно в тази по-„традиционна“ категория на пейзажната живопис. За да назовем няколко, бих включил Ван Гог, Сезан, Търнър, Курбе, Мунк, Балка, констебъл, Уислър, Коро и много руски художници от деветнадесети век, особено Левитан. Много харесвам и пейзажните картини на Курт Швиттерс, когато той живееше в селските райони на Норвегия, след като избяга от нацистка Германия. Съвременните художници, които харесвам, чиито картини също олицетворяват пейзаж, включват Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig и Chris Ofili, може би ранните творби на Keifer, Mamma Andersson и Neo Rauch. Но също толкова се интересувам от фотографите, особено Анелис Стърба, Томас Струт и някои викторианци като Хенри Пич Робинсън, Оскар Гюстав Рейландър и Клементина Хавардън.
JL: Литературата, особено ирландската литература, е форма на изкуство, която се е справила със сложността на пейзажа с течение на времето. Това влияе ли изобщо на вашата работа?
ЕМ: С моите фотографски и печатни интереси и използването на няколко различни носители, аз се опитвам да създам усещане за хибридност в работата си, така че не може лесно да се съдържа в един дискурс. Експерименталните модернистически ирландски писатели Бекет и Джойс оказват огромно влияние върху мисленето ми с невероятния си талант да се придържат към структурата на техните истории, като привидно ги хвърлят във въздуха. Опитвам се да подражавам на тази увереност в езика, примесена със здравословно пренебрежение и любов към медиума. Други книги, обогатили мисленето ми, особено по отношение на пейзажа, биха могли да бъдат описани като полулутания или журналистически наблюдения.
Прекръстих мини от Луис Макнийс е поръчана книга за пътувания, която той предприема през пролетта и лятото на 1937 г., когато посещава Западните острови на Шотландия. Оказа се някакъв непочтен поход. Въпреки това, противопоставяйки физическите и емоционалните трудности, с които се сблъсква Макнийс, той завършва книгата си с невероятно трогателно стихотворение, На онези острови, който трансформира суровостта, която е преживял, в дълбоко изобразяване на хора и тяхната изчезнала култура на ръба на водата. Саймън Шама Пейзаж и памет, На Роджър Диакин Уайлдвуд: Пътешествие през дървета намлява Пръстените на Сатурн от WG Sebald също се отнасят до пътуванията, както географски, така и на ума. Насладих се и на Джоузеф Конрад Сърцето на мрака, Труман Капотес Хладнокръвно, JM Coetzee's В сърцето на страната, Фланъри О'Конър, Мъдра кръв и на Адам Никълсън, Морска стая. Харесва ми начинът, по който тези писатели създават силно усещане за място, вълнуващо, но твърдо вкоренявайки читателя в друг свят.
JL: За мен вашите пейзажни картини често съдържат стряскащи, неестествени или дори свръхестествени елементи: зловещо сияние, подразбираща се експлозия или разсеяни компоненти като синтетично оцветено дърво. Има ли усещане, че се опитвате да подкопаете или да се откъснете от спокойствието (и историческия багаж) на пасторалната сцена?
ЕМ: Стряскащите или свръхестествени елементи, на които се позовавате, може просто да са подпис на темперамента. Не съм сигурен. Предполагам, че ме привличат контрастиращи елементи и основни моменти от денонощието, като разсъмване или здрач, където едното може лесно да се преобърне в другото; тъмнината, заплашваща да погълне светлината, или обратно. За мен това създава някакво визуално триене или потенциал за разгръщане на събитията. Струва ми се, че с падането на нощта небето често може да изглежда толкова ярко, в пълен контраст с тъмнината на земята. За мен винаги е истинска борба да преведа работата си на място, което напълно резонира с това как се чувствам, мисля и интерпретирам света. Опитвам се да създам перкусия на различни елементи, които съществуват едновременно. Харесва ми завършената работа да изглежда по някакъв начин отворена за възможност, но също и крайна.
JL: Има почти батиково качество на някои от вашите скорошни картини, като повърхностите наподобяват напукан восък, докато други произведения използват процеси на печатане. Като художник, как подхождате към повърхността?
ЕМ: Повърхността на творбата е нещо, което може да задържи визуално внимание и може би значение. Текстурата е напълно интегрирана част от картината и все пак отделно нещо само по себе си. Постига се чрез натрупване на разредена маслена боя и маркиране, често в продължение на много месеци, понякога години, докато стигна до усещане за място или нещо полуправдоподобно, с което да продължа да работя. Платното никога не се чувства завършено, докато това качество на повърхността не се превърне във визуална същност сама по себе си. С последните работи създадох друг тип повърхност, като използвах ситопечат върху горната част на рисуваното платно. С това въведение намерих директни начини да включа моите снимки в рисуваната зона. Това от своя страна създава диалог между рисуването и фотографското изображение или размива границата между двата жанра.
JL: Архитектурата и фигурите рядко се изобразяват във вашите пейзажи. Това умишлен фокус ли е върху внушаващото страхопочитание необятност на природата отвъд по-хуманизиран мащаб?
ЕМ: Въпреки че работата ми се възприема като необитаема, често се появяват фигури и сгради. Опитвам се да работя с тези елементи по такъв начин, че те да не станат твърде доминираща характеристика. Откривам, че ако създадената от човека структура или фигура е основният фокус на вниманието, цялостната работа може да бъде компрометирана, като пейзажът става второстепенен или фон за някакъв подразбиращ се разказ. Преди няколко години обаче посетих студийните сгради, които Хенри Мур беше построил в село Much Hadham, в Хартфордшир, Англия, известно на местно ниво като „Hogsland“. Намирам студиата като центрове, където мислите и изкуството могат да се формират вътрешно. Може би в главата на художника има „ателие“ на мисли, които се случват през цялото време. През 2016 г. завърших картина със заглавие Хогсланд, поставяйки структурата на ателието на Мур в центъра на моето платно като център на идеи. Този ход на мисли също оказа известно влияние със заглавието на предстоящата ми турне изложба „Headland“. Носът е географска забележителност (често се вижда от разстояние), която за мен също представлява психичните процеси, които протичат в съзнанието на човека.
Елизабет Магил е родена в Канада, израснала в Северна Ирландия и живее в Лондон. Тя е представена от Антъни Уилкинсън, Лондон, и галерия Керлин, Дъблин.
Самостоятелната изложба на Magill "Headland" е курирана и обиколена от Градската художествена галерия на Лимерик (LCGA) в партньорство с RHA, Дъблин и музея Ulster, Белфаст. Проектът е подкрепен чрез Схемата за обиколка и разпространение на работата на Съвета по изкуствата. Изложбата ще започне в LCGA на 8 септември 2017 г., с въведение от д-р Барбара Доусън, директор на галерия Хю Лейн, Дъблин. Впоследствие изложбата ще бъде представена в RHA от 18 януари 2018 г. и в музея Ълстър от май 2018 г. нататък. Художникът ще разговаря със Стивън Сноди в събота на 9 септември от 12 часа на обяд в LCGA.
Използвани изображения: Елизабет Магил, Нос, 2016–17, масло и копринен печат върху платно; изображение с любезното съдействие Хюго Глендининг и художника. Елизабет Магил, Заедно, 2016 –17; изображение с любезното съдействие на галерията Уилкинсън и художника.
