Festival/Bienal | Silencioso como se mantén

Chris Clarke repasa a Whitney Biennial 2022 en Nova York.

Eric Wesley, North American Buff Tit, 2022, plástico, vidro, aceiro inoxidable e diclorometano (213.4 × 66 × 66 cm), colección do artista, vista da instalación, Whitney Biennial 2022: Quiet as It's Kept, Whitney Museum of American Art , Nova York: fotografía de Guang Xu, cortesía do artista e Bortolami, Nova York. Eric Wesley, North American Buff Tit, 2022, plástico, vidro, aceiro inoxidable e diclorometano (213.4 × 66 × 66 cm), colección do artista, vista da instalación, Whitney Biennial 2022: Quiet as It's Kept, Whitney Museum of American Art , Nova York: fotografía de Guang Xu, cortesía do artista e Bortolami, Nova York.

O coloquialismo 'tranquilo tal e como se garda' suxire un estado de segredo e connivencia. Implica aos demais nun pacto compartido, un acordo para calar cando estean en presenza dos non iniciados. Como proposta curatorial, e frase que alude a varias obras do artista David Hammons, a escritora Toni Morrison e o baterista de jazz Max Roach, permite unha certa ambigüidade, encapsulando un abano diverso de prácticas ao tempo que infire que, aínda que non apareza inmediatamente, hai unha lóxica subxacente en xogo. Ao adoptar este idioma, a Bienal de Whitney de 2022 (6 de abril - 5 de setembro) busca así poñer en primeiro plano a sensibilidade e a seriedade, aínda que, no proceso, se aproxime inquietantemente ás vagas xeneralidades e ás comodidades familiares da abstracción.

En certos aspectos, isto é de esperar; a bienal, despois de todo, resistiu a polémica nas súas dúas últimas iteracións. Varios artistas retiraron o seu traballo da edición de 2019 en oposición ao membro do consello de Whitney Warren B. Kanders, cuxa empresa Safariland produciu botes de gases lacrimóxenos utilizados na fronteira entre México e Estados Unidos; mentres que en 2017, a da pintora branca Dana Schutz Abrir Cofre (2016), que representa o corpo brutalizado do adolescente afroamericano Emmett Till, levantou protestas pedindo a eliminación da obra. Non é de estrañar entón que esta bienal teña unha visión cautelosa, esquivando en gran medida os intentos abertos de polémica e provocación. Con obras que ocupan principalmente dous niveis do Whitney Museum of American Art, repartidas alternativamente por un espazo aberto e luminoso, e enclaustradas dentro dun labirinto de enclaves escuros, o deseño da exposición é o tema máis polémico aquí. 

No aireado atrio das galerías do quinto andar, obras dispares atópanse xuntas, diminuíndo calquera sensación de intimidade e desordenando a visión periférica. A cómica escultura plástica de gran tamaño dun paxaro bebedor de Eric Wesley. Buff Tit norteamericano (2022), tambaleándose xunto aos retratos CGI de oito pantallas de Andrew Roberts de empregados zombificados que recitan poesías, coas súas camisas estampadas cos logotipos de Walmart, Netflix e Amazon. As estruturas modulares sitúanse en todo o espazo, que serven de soporte para os collages densamente en capas de aceite, pigmento e folla de paladio de Ellen Gallagher, con patróns ondulados en relevo, condutos serpenteantes e perfís repetidos de figuras totémicas flotando pola superficie, e para Dyani. White Hawk's Wopila / Linaxe (2021) - unha ampla composición de relucentes tiras de contas de vidro e triángulos multicolores, que converxen contra fondos paralelos de branco e negro, que emprega con habilidade as técnicas tradicionais Lakota de bordados e abalorios. Un arranxo das obras fundamentais de Theresa Hak Kyung Cha, presentado a través de fotografía, texto e película, está secuestrado nun recinto a modo de tenda de campaña. Hai unha calidade sepulcral axeitada na instalación (Cha foi asasinado en 1981 aos 31 anos), e a documentación de actuacións como A BLE WAIL (1975), na que o artista de túnica branca se move por un ambiente con cortinas, luces de velas e espellos, evocan o desprazamento que Cha sentiu como inmigrante coreano a América. 

Hai aquí albiscos do que pretendían os comisarios, da abstracción como táctica política, como medio para insinuar historias pouco representadas. Non obstante, o exceso de obxectos e obstáculos dificulta calquera consideración das súas calidades inherentes. A planta superior, en comparación, non lembra nada máis que unha serie de salas de proxección de caixa negra. Unha xustaposición tan dramática de espazos está totalmente en desacordo co enfoque matizado e non forzado descrito polos comisarios David Breslin e Adrienne Edwards, no que as afirmacións son suplantadas por "corazonadas" e as fronteiras nacionais dan paso a puntos de vista externos e externos (a bienal inclúe deliberadamente a artistas). de fóra dos Estados Unidos). Esta disposición, porén, permite encontros máis mesurados con obras específicas, como o inquietante de Coco Fusco. Os teus ollos serán unha palabra baleira (2021), na que o artista navega polas augas arredor da illa Hart en bote de remos. O sitio contén as fosas comúns dos mortos anónimos de Nova York, enterrados polo traballo penitenciario desde 1869, e que inclúen vítimas de Covid, SIDA, tuberculose e outras epidemias: "Unha montaña de almas non reclamadas, quizais un millón, quizais máis, ou quizais menos. . Ninguén o sabe realmente". Fusco lanza flores pola borda, honrando a estes individuos sen nome, mentres vai á deriva incesantemente pola costa; unha reversión clara das raíces históricas da corentena ao manter os barcos potencialmente infectados fondeados durante 40 días.

Esta perspectiva lateral tamén se atopa en Trinh T. Minh-Ha E a China? (2021), un retrato filmado da vida rural e da discordante transición ao urbanismo captado a través de exemplos da arquitectura tradicional da aldea. Un lume interior, que arde debaixo das táboas do chan dunha casa espartana, quenta unha pota de ferro que sobresae. As vigas de madeira crúzanse con travesas. Unha ponte está "construída sen cravos nin remaches". Os galiñeiros sentan xunto a moreas de leña. Unha voz en off masculina describe a escena -"a torre do tambor, un símbolo cultural e un espazo indispensable de reunión pública"- como se lanzara a liña oficial do partido, mentres que as comentaristas ofrecen perspectivas máis persoais, filosóficas e introspectivas: "Pódese captar o fluxo. e refluxo do tempo observando formas. Pódese detectar o verdadeiro e o falso mirando aos seres nas súas manifestacións concretas”. O efecto acumulativo revela como se produce o cambio nos seus detalles máis pequenos e prosaicos. Baixo a retórica formal, estes desenvolvementos desencadean unha cabalgata de rupturas en miniatura, aínda que individualmente sísmicas. As transformacións aquí rexistradas, a pesar de que nunca pisaron América, poden ter maiores ramificacións para os Estados Unidos e a súa presenza global que calquera número de preocupacións nacionais. Abordado oblicuamente, desde o lado, a película aborda un tema que, abordado directamente, só podería provocar un acordo moi gastado ou unha oposición testaruda. En cambio, entra de xeito furtivo, sen previo aviso, e deixa ao espectador inconfundiblemente alterado. 

Chris Clarke é crítico e comisario sénior do Glucksman, Cork.