Festival/Bienal | Recuperando o contraste

Varvara Keidan Shavrova repasa obras nos Rencontres d'Arles e Arthur Jafa en LUMA.

Arthur Jafa, Big Wheel II, 2018, Ex-Slave Gordon 1863, 2017, Sen título, en 'Live Evil', La Mécanique Générale, Parc des Ateliers; fotografía de Andrea Rossetti, cortesía do artista e LUMA Arles. Arthur Jafa, Big Wheel II, 2018, Ex-Slave Gordon 1863, 2017, Sen título, en 'Live Evil', La Mécanique Générale, Parc des Ateliers; fotografía de Andrea Rossetti, cortesía do artista e LUMA Arles.

"A fotografía, os fotógrafos e os artistas que usan o medio están aí para lembrarnos o que non queremos nin escoitar nin ver". – Christoph Wiesner, director dos Rencontres d'Arles.

estou camiñando ao longo dun tramo aparentemente interminable de estrada poeirenta nos arredores de Arles, unha antiga capital romana de Provenza, Francia, e sede da 53ª edición dos Rencontres d'Arles, un festival anual de fotografía e arte baseada en lentes que atrae a miles de visitantes. cada ano, que é recoñecida como unha das plataformas máis respectadas para a arte fotográfica contemporánea (rencontres-arles.com). A calor do mediodía está subindo sobre o asfalto, sen piedade para as solas dos meus zapatos, o meu corpo e a miña alma, fundindo os tres compoñentes nunha mestura de po e suor. 

En primeiro lugar, parece totalmente tolo ter escollido esta pequena cidade provincial do sur de Francia como o lugar onde se presentan ao público as últimas tendencias da fotografía contemporánea e da arte con lentes. Cuxo desexo caprichoso impulsou esta elección do lugar -e aínda máis estraño- por que me encanta tan completa e inmediatamente, animándome a continuar a miña peregrinación sen inmutarse? Abarcando o patrimonio de edificios históricos da cidade, os lugares de exposición van desde o anfiteatro romano en ruínas e igrexas medievais graciosamente elegantes, pero na súa maioría sen uso, ata fundacións e museos de arte contemporánea de vangarda, ademais de galpóns industriais en ruínas e fábricas semiabandonadas do século XIX. 

Atópome na negra escuridade, engulido polas imaxes e sons de Vive o Mal (2022), unha instalación total que inclúe unha serie de obras recentes e novas do artista afroamericano Arthur Jafa. Esta instalación non formaba parte en realidade dos programas Rencontres d'Arles senón que coincidiu co festival, xa que foi creada por Jafa expresamente para os dous amplos espazos expositivos de LUMA Arles, situados nas salas postindustriais de La Mécanique Générale e La Grande Halle. (luma.org).

O doloroso contraste que experimenta o espectador, ao pasar da calor abrasadora e a luz penetrante do aire libre ao vasto espazo cavernoso de La Grande Halle, é claramente un efecto desexado que Jafa quere que sintamos con cada fibra dos nosos corpos sensoriais, enganchando. ao mesmo tempo o noso oído, visión, olfacto e tacto. A instalación multimedia perfectamente escenificada é unha reflexión antropocénica sobre a condición humana, presentada a través das reimaxinadas secuencias visuais e sonoras que retratan a negrura en moitas iteracións poderosas. Para min, o efecto máis forte conseguímolo en AGHDRA (2021), unha obra totalmente dixital que constitúe unha tese única: a perda insondable e a dor inefable no fin da civilización tal e como a coñecemos. A obra preséntase como unha proxección xigante de 85 minutos de duración dunha paisaxe mariña en constante movemento de rochas negras, formando ondas que se intensifican e retroceden contra a ameazante luz vermella profunda do solpor. 

Os paralelos obvios veñen á mente, mentres experimenta o de Jafa Gesamtkunstwerk, relativos a procesos fotográficos, que dependen da xustaposición das forzas opostas e codependentes da luz e da escuridade, do branco e negro. Jafa achéganos maxistralmente á experiencia da negrura como testemuño da extracción colonial e explotación cultural de poboacións negras durante séculos. Isto preséntase tanto como un poderoso símbolo do fin da natureza, retratado como rochas inhóspitas ennegrecidas, queimadas e carbonizadas, en contraste coas nocións históricas de que a Terra fértil, abundante e sempre dá, o planeta tal e como aínda o coñecemos, pero que foi. en grave perigo pola catástrofe climática causada pola humanidade. 

Situado no Parc des Atelier, agora parte da multitude de espazos expositivos da Fundación LUMA, 'A Feminist Avant-Garde: Photographs and Performances of the 1970s from the Verbund Collection, Vienna', ofrecía unha visión moi diferente da fotografía como documentación, presentando arquivos. material que rexistra a actuación como protesta (verbund.com). Perfectamente equilibrada na súa presentación e meticulosamente comisariada en canto a contidos, esta exposición itinerante internacional representa as obras baseadas en lentes de importantes figuras da arte feminista. Abarca o período comprendido entre 1968 e 1980, cando as protestas e as actuacións feministas uniron forzas na batalla polos dereitos das mulleres, desafiando sen medo á autoridade masculina amosando un heroísmo absoluto fronte ao sexismo e a opresión de séculos. 

A colección inclúe máis de 200 obras de 71 artistas femininas, coa iteración nos Rencontres d'Arles con obras de activistas feministas emblemáticas, fotógrafos e artistas de performance como ORLAN, Lynda Benglis, Karin Mack, VALIE EXPORT, Cindy Sherman, Ana Mendieta, Howardena Pindell e Francesca Woodman, por citar só algunhas. A miña atención quedou cativada por moitas obras notables de artistas femininas incriblemente valentes, moitas das cales son as miñas contemporáneas, que viven e traballan en todo o mundo hoxe. Inclúe a artista escocesa Elaine Shemilt, que viviu e traballou en Irlanda do Norte durante The Troubles, onde puxo en escena e documentou as súas obras de arte multimedia. Hoxe, Shemilt ten unha carreira diversa e impresionantemente áxil como académica (é profesora de gravado na Universidade de Dundee), gravadora, fotógrafa e activista climática (elaineshemilt.co.uk). Unha serie de seis fotografías en branco e negro de Shemilt (que datan arredor de 1976) mostran ao artista de pé contra unha parede de ladrillos, espido e atado. A súa cabeza, pulsos e pés están marcados na parede para indicar o contorno do seu corpo, lembrando os contornos de giz debuxados pola policía nas escenas do crime. Nalgunhas das fotografías, Shemilt sostén unha lámina de vidro, mirando a través dela, coma a través dun escudo que se pode usar en defensa. 

As gravacións de actuacións en directo, moitas series de fotografías e múltiples traballos en vídeo de artistas femininas representadas na colección Verbund son notablemente versátiles en canto aos seus enfoques, aínda que tamén están unidos coherentemente na súa determinación de reflexionar sobre unha opresión en curso que se manifesta no sometemento das mulleres en xeral, e das artistas femininas en particular, a roles fetichizados de deusas domésticas, vasos fértiles, forraxe interminable para a mirada masculina e consumo capitalista. Apuntando á violencia endémica, estrutural e doméstica contra as mulleres, as artistas da exposición adoitan retratar a si mesmas como silenciadas, amordazadas, comedidas, atadas, vulnerables e espidas. Adoitan colocarse en ambientes de prisión e espazos claustrofóbicos, dominados por estruturas sólidas e pechados con paredes de ladrillo. 

Esta exposición tivo para min resonancias especialmente fortes, xa que a obra da colección Verbund abarca o período de 1968, ano no que nacín. Este tamén foi o ano no que a guerra estadounidense en Vietnam alcanzou o seu apoxeo; e cando as tropas soviéticas invadiron e ocuparon Checoslovaquia, significando así un cambio estratéxico de poder dentro do contexto da Guerra Fría. As obras representadas na colección continúan ata 1980 inclusive, ano no que se produciu a invasión do exército soviético de Afganistán e o pico da escalada do conflito entre Estados Unidos e o Bloque Comunista. Estes acontecementos históricos resoan cos violentos conflitos armados que hoxe asistimos a que se desenvolven ante os nosos ollos, xunto aos desastres ambientais, a escaseza de alimentos e o continuo aumento das ideoloxías de extrema dereita, que están a reintroducir o crime reprodutivo, nun intento de recuperar o dereitos humanos fundamentais e máis básicos das mulleres sobre o seu corpo.  

Atopei por primeira vez o Festival de Fotografía Rencontres d'Arles en 2010, nun lugar a miles de quilómetros de distancia do sur de Francia, en Caochangdi PhotoSpring, Arles en Pequín. Este festival irmán comezou a través das colaboracións curatoriales entre Bérénice Angremy of Thinking Hands, e RongRong e inri, un dúo fotográfico sino-xaponés que fundou o Three Shadows Photography Art Center, deseñado por Ai Weiwei e situado preto do 798 Art District, no norte. de Pequín. Dous anos despois, visitei por primeira vez os Rencontres d'Arles e, en 2013, volvín ao Centro de Artes Fotografía de Tres Sombras para participar en 'The New Irish Landscape', a primeira exposición de fotografía contemporánea irlandesa en Pequín, comisariada. de Tanya Kiang (comisaria de exposicións do Photo Museum Ireland) que incluía obras fotográficas de Anthony Haughey, David Farrell e Patrick Hogan. 

Lanzado orixinalmente en 1970, baixo o título de 'Rencontres Photographiques' polo fotógrafo Lucien Clergue, o comisario Jean-Maurice Rouquette e o escritor Michel Tournier, Rencontres d'Arles é un festival local de importancia mundial en toda a cidade. Recoñecido e frecuentado tanto por profesionais da fotografía como por afeccionados, o festival anual pretende representar as últimas tendencias e correntes que flúen dentro da fotografía e da arte baseada en lentes, ao tempo que presenta a arte fotográfica contemporánea de vangarda no contexto da súa historia. 

"Inicialmente o festival centrouse principalmente no documental fotográfico Magnum, e non na práctica crítica das artes plásticas", sinala Kiang, que durante os últimos 30 anos realizou moitas revisións de carteiras e nomeou a novos artistas fotográficos para o premio anual Rencontres d'Arles Discovery Award. Engade que o foco do festival e a súa programación cambiou significativamente nos últimos 50 anos, afastándose constantemente dun típico festival francés, no que a fotografía adoitaba ser vista como unha escusa para presentar imaxes de explotación, misóxinas e sexistas de mulleres, tomadas. por homes: abordar temas e preocupacións que son visibles dentro do discurso global máis amplo da arte contemporánea. 

Nese sentido, a edición deste ano é fenomenalmente postfeminista nos seus temas, entregas e mensaxes. E a diferenza doutros eventos clave do calendario de arte global -por exemplo, a Bienal de Venecia, Art Basel ou as feiras de arte Frieze, coa súa marca global e imperativos comerciais- Rencontres d'Arles é un evento autónomo e refrescante orixinal que ofrece unha novela. formato, nalgún lugar entre un festival de cine e unha feira local. Durante os últimos 50 anos, os artistas que participaron no festival foron Robert Doisneau, William Eggleston, Frank Horvat, Mary Ellen Mark, Frank Capa e Robert Mapplethorpe. A medida que a fotografía estaba cada vez máis asociada coa arte contemporánea, en Arles leváronse a cabo exposicións de artistas emblemáticos como David Hockney, Robert Rauschenberg, Sophie Calle e Taryn Simon, con comisarios invitados ao festival desde 2004, entre eles Martin Parr, Raymond Depardon. , e Nan Goldin, entre outros.

Varvara Keidan Shavrova é unha artista visual, comisario, pedagogo e investigador. Ela é actualmente doutorando no Royal College of Art. Nacida na URSS, vive e traballa entre Londres, Dublín e Berlín. Shavrova presentará a súa investigación no IMMA conferencia internacional de investigación "100 anos de autodeterminación" (10-12 de novembro).  

varvarashavrova.com