JOANNE LAWS ENTREVISTA A DAPHNE WRIGHT ANTES DA SÚA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL NO MUSEO ASHMOLEAN.
Joanne Laws: Ambas estudamos no RTC de Sligo (agora Universidade Tecnolóxica Atlántica). Eu estudei Belas Artes a finais dos anos 90, durante un período inspirador para as escultoras irlandesas. Houbo unha sensación de optimismo nese momento ou o impulso xurdiu contra todo prognóstico?
Daphne Wright: Ben, todo o mundo marchou nos anos 80; a recesión foi brutal. Eu deixei Irlanda en 1989. Nos anos 90, só recordo pasar de bolsa en bolsa e de residencia en residencia para poder manter a miña práctica. Fun bolseira en Cheltenham, bolseira Henry Moore en Manchester e pasei un ano na Escola Británica de Roma. Durante a miña educación en Sligo a principios dos anos 80, constantemente nos sinalaban escultoras moi fortes; eu aprendía todo o tempo falando e conversando. O profesorado de Sligo daquela época incluía a Seán Larkin, Seán McSweeney, Fred Conlon, Con Lynch, Nuala Maloney, Ruairí Ó Cuív, Seán O'Reilly e John O'Leary. Tamén estaban Robert Stewart e Peter Charney; el era australiano e tiña un punto de vista completamente diferente. Eu estudei escultura e cerámica, pero eramos un grupo tan pequeno que todas eramos amigas.
JL: Agora que estás de volta en Dublín, tes un estudio?
DW: Convertei dúas habitacións da miña casa nun só espazo, e alí é onde traballo normalmente. Estou moi agradecida por iso porque alugar un estudo é moi caro. Así é como tiven que facelo, desde que teño fillos; converteuse nun proceso particular, e encántame a rutina. Cando fabrico unha escultura grande, alugo temporalmente o taller dun ebanista no noroeste de Irlanda.
JL: Como é a túa rutina diaria no estudio?
DW: Pasaría moito tempo probando, explorando e facendo cousas. Non só probo os materiais; tamén leo, investigo e alimento o meu cerebro ao mesmo tempo. Unha vez que empezo a entender o que estou facendo, entón fago, que adoita ser a parte máis agradable. Nalgunha ocasión, traballaba ata chegar a unha peza realmente grande, que non se trata só de facela, senón tamén de recadar o diñeiro para financiala.
JL: As figuras a tamaño real dos teus dous fillos xa apareceron na túa obra. Foron realizadas mediante procesos de fundición?
DW: Cando os rapaces eran máis pequenos, fixen Mesa de cociña (2014) en jesmonite pintada a man, o que implicou fundir cada un deles por separado en pezas máis pequenas. Isto foi mentres estaban saíndo da infancia e entrando na adolescencia. Máis de dez anos despois, recibín consenso para fundilos de novo, agora que están a piques de chegar á idade adulta, para unha nova obra chamada Fillos e sofá (2025) que se exhibirá por primeira vez este verán.
As figuras son moldes completos e están ocas. Foron fabricadas coa técnica tradicional de moldeo natural, e iso é moi importante. Non se xera por ordenador nin se imprime en 3D; é un proceso tradicional que require moita man de obra. Tamén é unha tarefa bastante laboriosa para a persoa que se vai moldear, porque o corpo queda completamente envolto, aínda que en momentos diferentes. Úsase o xeso para facer un molde do corpo, coma se estiveses a capturar un momento no tempo.
Cando os moldes se montan como unha escultura completa, todo se pinta cunha cor tenue, unha que ten a esencia da memoria. Non é a cor real, senón como se pode lembrar a cor. As figuras logo se montan nunha instalación ou escena escultórica. Iso é co que estou loitando neste momento, porque ás veces teño máis elementos dos que necesito. Pode ser un proceso doloroso, editar ata o que é necesario e o que funciona.
JL: O doméstico semella ser un tema recorrente nos teus arranxos escultóricos, que inclúen figuras, obxectos persoais, plantas e electrodomésticos. Por que?
DW: Ben, hai un par de cousas que complican isto. En primeiro lugar, vas aos museos e descubres que hai moi poucas artistas representadas nas coleccións. Hai algo realmente interesante nos moldes e na captura do tempo que monumentaliza o doméstico, ao tempo que coloca a maternidade e o feminino no corazón do museo. Ademais, a miúdo pregúntome por que hai certos obxectos dentro dos nosos museos que son mudos ou silenciosos. Supoño que se estancan, e o seu sentido de ser unha obra de arte desaparece. Para min, esa é unha preocupación central. Cando unha obra de arte ten presenza e alma propias, as outras cousas simplemente convértense en accesorios.
Ademais de Sons and Couch, haberá outros obxectos na exposición, incluíndo Natureza morta de frigorífico (2021) – un frigorífico aberto feito de arxila sen cocer, que contén as cousas habituais nos andeis, como unha galiña, lista para o forno. Enriba do frigorífico, hai un gran vaso de tulipáns en proceso de descomposición. Entón, en moitos sentidos, é unha natureza morta contemporánea, que evoca preguntas no centro da vida doméstica: quen enche o frigorífico, quen o baleira e para quen cociñamos?
JL: Este verán presentarase unha exposición individual da túa obra no Museo Ashmolean de Oxford. Nela haberá obras novas, desenvolvidas en resposta ás esculturas da Galería Ashmolean Cast. Que nos podes contar sobre esta exposición?
DW: O título da exposición, "Cousas profundamente arraigadas", está tomado dun verso do poema de Yeats, A Galería Municipal revisitada (1939): «Os meus fillos poden atopar aquí cousas profundamente arraigadas». A Ashmolean Cast Gallery é bastante sorprendente. Contén moldes de gregos e romanos antigos que están case completos. Hai unha colección fascinante de atletas que aínda conservan as calidades dos homes novos. Levei moito aos nenos a Ashmolean cando eran pequenos, polo que, dalgún xeito, forma parte da súa crianza e da súa aprendizaxe. A fascinación que un sente, como nai e como artista, por mirar obxectos, á súa vez inflúe neles de fascinación.
A exposición tamén responde á Colección da Galería Hugh Lane, centrándose especificamente na tradición da pintura de natureza morta. A colección contén pinturas de flores dalgunhas das primeiras mulleres irlandesas que foron á universidade ou a unha escola de arte, moitas delas estudando no Reino Unido ou en Francia. As súas pinturas de flores son bastante fermosas e discretamente radicais. Tamén hai algúns retratos moi conmovedores, incluído un fermoso de WB Yeats de neno lendo un libro, pintado polo seu pai, John Butler Yeats, arredor de 1886.
Estas obras de arte reproduciranse nunha publicación complementaria, xunto con textos de Emily LaBarge e do director do Museo Ashmolean, Alexander Sturgis, e da directora da Galería Hugh Lane, Barbara Dawson. A exposición trata de combinar esas institucións e analizar as diferenzas nas súas coleccións: unha é unha colección de antigüidade de clase mundial; mentres que a outra é unha colección nacional máis moderna que contén obras contemporáneas. Empregan diferentes linguaxes, pero para min, todo é museoloxía, impregnada polo doméstico.
JL: Parece que existe o tema recorrente dos homes novos, retratados ao longo dos tempos?
DW: Iso é certo: homes novos nun momento crucial das súas vidas, xa sexan os mozos atletas da colección Ashmolean ou os meus propios fillos a piques de chegar á idade adulta. Podería dicirse que houbo presións semellantes para os homes novos tanto na época clásica como na contemporánea. Moito deste subtexto non é verbal; non obstante, coñecémolo instintivamente. Creo que é aí en gran medida onde existe o meu traballo: neste tipo de limiares que se entenden universalmente.
«Ashmolean Now, Daphne Wright: Deep-Rooted Things» presentarase no Museo Ashmolean de Oxford do 13 de xuño de 2025 ao 8 de febreiro de 2026. A creación de novas obras para esta exposición contou co apoio dun premio de proxectos de artes visuais do Consello das Artes de Irlanda.
ashmolean.org
