JOANNE LAWS O INTERVIEAZĂ ELIZABETH MAGILL DESPRE PRACTICA SA DE PICTURA.
Joanne Laws: Poți să-ți descrii decorul în studio și rutina ta de pictură?
Elizabeth Magill: Atelierul meu este într-un complex cu alți artiști condus de organizația ACME din estul Londrei. Este un cub alb de 700 de metri pătrați, cu lumină care intră dinspre sud și dă spre Mill Row, o stradă îngustă cu sens unic umbrită de un bloc de locuințe din cărămidă maro și beton gri de patru etaje, construit în anii 1970. Sunt aici de mult timp, așa că m-am obișnuit cu această priveliște. Îmi place interferențele sale vizuale de nivel scăzut. Am și un spațiu de lucru mai mic pe coasta Antrim, dar când sunt acolo, parcă mă uit la priveliștile frumoase cu vedere la mare. Rutina mea este intermitentă, deoarece deseori alerg prin alte lucruri. Am avut perioade de studio mai condensate în trecut, când lucram cel puțin șase zile pe săptămână, uneori lucrând toată ziua și noaptea, dar acesta nu mai sunt eu.
JL: Am citit undeva că nu te referi neapărat la tine ca un pictor peisagist și totuși un angajament pe tot parcursul vieții față de peisaj este evident în munca ta. Pe ce peisaje naționale ai tendința să te bazezi, dacă există?
EM: Sunt preocupat de genul peisajului ca o modalitate de a explora limbajul artei, posibilitățile picturii și ideile din jurul biografiei personale. Pentru mine pare să ofere un spațiu pentru a încerca să mă gândesc la imaginea de ansamblu și la ce înseamnă să faci parte din această lume. Peisajul care intră în munca mea provine în mare parte din caracteristicile geografice din jurul Glens of Antrim unde am copilărit. Se pare că asta mi-a oferit un fel de fundal vizual. Acest colț particular al Irlandei este destul de frumos din punct de vedere pitoresc, dar istoria de acolo pare adesea în contradicție sau în conflict cu această frumusețe naturală. Regatul, marele John Berger, în ultima sa publicație, Peisaje: John Berger despre artă, scria: „Uneori, un peisaj pare mai puțin un cadru pentru viața locuitorilor săi decât o cortină în spatele căreia au loc luptele, realizările și accidentele lor… reperele nu mai sunt doar geografice, ci și biografice și personale”.
JL: Ce aspecte ale canonului tradițional de pictură peisagistică vă interesează cel mai mult?
EM: Sunt mulți artiști pe care îi admir și care se încadrează în mod special în această categorie mai „tradițională” a picturii peisajului. Pentru a numi câțiva, aș include Van Gogh, Cezanne, Turner, Courbet, Munch, Balka, Constable, Whistler, Corot și mulți artiști ruși din secolul al XIX-lea, în special Levitan. Îmi plac foarte mult și picturile de peisaj ale lui Kurt Schwitters, când locuia în Norvegia rurală după ce a fugit din Germania nazistă. Artiștii contemporani care îmi plac ale căror picturi întruchipează și peisaj includ Per Kirkeby, Gerhard Richter, Ed Ruscha, Richard Long, Peter Doig și Chris Ofili, poate lucrările timpurii ale lui Keifer, Mamma Andersson și Neo Rauch. Dar sunt la fel de interesat de fotografi, în special de Annelies Strba, Thomas Struth și unii victorieni precum Henry Peach Robinson, Oscar Gustave Rejlander și Clementina Hawarden.
JL: Literatura, în special literatura irlandeză, este o formă de artă care s-a confruntat cu complexitățile peisajului de-a lungul timpului. Îți influențează acest lucru munca?
EM: Cu interesele mele fotografice și de tipărire și utilizarea mai multor medii diferite, încerc să creez un sentiment de hibriditate în munca mea, astfel încât să nu poată fi conținut ușor într-un singur discurs. Scriitorii irlandezi moderniști experimentali Beckett și Joyce mi-au influențat enorm gândirea cu talentul lor incredibil de a păstra structura poveștilor lor, în timp ce parcă le aruncă în aer. Este această încredere în limbaj, amestecată cu o dispreț sănătoasă și o dragoste pentru mediu, pe care încerc să o imit. Alte cărți care mi-au îmbogățit gândirea, mai ales în ceea ce privește peisajul, ar putea fi descrise ca semi-rătăciri sau observații jurnalistice.
Am traversat Minch-ul de Louis MacNeice a fost o carte de călătorie comandată pe care a întreprins-o în primăvara și vara anului 1937, când a vizitat Insulele de Vest ale Scoției. S-a dovedit a fi un fel de excursie ireverentă. Cu toate acestea, contrastând dificultățile fizice și emoționale pe care le-a întâmpinat MacNeice, el își încheie cartea cu un poem incredibil de emoționant, Pe acele insule, care transformă asprimea pe care a experimentat-o într-o portretizare profundă a unui popor și a culturii lor aproape dispărute la malul apei. a lui Simon Schama Peisaj și memorie, a lui Roger Deakin Wildwood: O călătorie prin copaci si Inelele lui Saturn de WG Sebald se referă și la călătorii, atât geografice, cât și ale minții. Mi-a plăcut și cel al lui Joseph Conrad Inima de intuneric, a lui Truman Capotes In sange rece, a lui JM Coetzee In Inima Tarii, Flannery O'Connor's, Sânge înțelept și a lui Adam Nicholson, Cameră de mare. Îmi place felul în care acești scriitori creează un sentiment puternic al locului, înrădăcinând cititorul într-o altă lume în mod evocator, dar ferm.
JL: Pentru mine, picturile tale de peisaj prezintă adesea elemente uimitoare, nenaturale sau chiar supranaturale: o strălucire de rău augur, o explozie implicită sau componente rătăcite, cum ar fi un copac colorat sintetic. Există un sentiment că încerci să subvertizi sau să te rupi de liniștea (și bagajele istorice) ale scenei pastorale?
EM: Elementele uimitoare sau supranaturale la care te referi pot fi doar o semnătură a temperamentului. Nu sunt sigur. Bănuiesc că sunt atras de elementele contrastante și de momentele esențiale ale zilei, cum ar fi zorii sau amurgul, unde unul s-ar putea răsturna cu ușurință în celălalt; întunericul ameninţă să consume lumina, sau invers. Pentru mine, acest lucru creează un fel de fricțiune vizuală sau potențialul ca evenimentele să se desfășoare. Mi se pare că, pe măsură ce se lasă noaptea, cerul poate apărea adesea atât de luminos, în contrast puternic cu întunericul pământului. Este întotdeauna o adevărată luptă pentru mine să-mi aduc munca într-un loc care rezonează pe deplin cu modul în care simt, gândesc și interpretez lumea. Încerc să creez o percuție a diferitelor elemente care coexistă. Îmi place ca lucrarea terminată să pară cumva deschisă posibilităților, dar și finită.
JL: Există o calitate aproape asemănătoare batică pentru unele dintre picturile tale recente, cu suprafețele care seamănă cu ceara crăpată, în timp ce alte lucrări folosesc procese de imprimare. Ca pictor, cum abordezi suprafața?
EM: Suprafața lucrării este ceva care poate reține atenția vizuală și poate sensul. Textura este o parte complet integrată a picturii și totuși un lucru separat în sine. Se realizează printr-o acumulare de vopsea în ulei diluată și prin marcare, adesea pe parcursul a mai multe luni, uneori ani, până când ajung la un sentiment de loc sau ceva semi-credibil cu care să continui să lucrez. Pânza nu se simte niciodată completă până când această calitate a suprafeței devine o entitate vizuală în sine. Cu lucrări recente, am creat un alt tip de suprafață folosind imprimarea serigrafică deasupra pânzei pictate. Cu această introducere, am găsit modalități directe de a încorpora fotografiile mele în zona pictată. Aceasta, la rândul său, stabilește un dialog între pictură și imaginea fotografică sau estompează granița dintre cele două genuri.
JL: Arhitectura și figurile sunt rareori descrise în peisajele tale. Este aceasta o concentrare deliberată pe vastitatea uimitoare a naturii dincolo de o scară mai umanizată?
EM: Deși munca mea este percepută ca nelocuită, adesea apar figuri și clădiri. Încerc să lucrez cu aceste elemente în așa fel încât să nu devină o caracteristică prea dominantă. Găsesc că, dacă o structură sau o figură creată de om este centrul atenției, opera generală poate fi compromisă, peisajul devenind secundar sau un fundal pentru o narațiune implicită. Cu toate acestea, cu câțiva ani în urmă, am vizitat clădirile de studio pe care Henry Moore le construise în satul Much Hadham, în Hertfordshire, Anglia, cunoscut local sub numele de „Hogsland”. Găsesc că studiourile sunt ca niște centre în care gândurile și arta se pot forma în interior. Poate că în capul unui artist există un „studio” de gânduri care se desfășoară tot timpul. În 2016, am finalizat un tablou intitulat Hogsland, plasând structura studioului lui Moore în centrul pânzei mele ca un centru de idei. Această gândire a avut o oarecare influență și cu titlul viitoarei mele expoziții itinerante „Headland”. Headland este un reper geografic (de multe ori văzut de la distanță) care, pentru mine, reprezintă și procesele mentale care au loc în mintea cuiva.
Elizabeth Magill s-a născut în Canada, a crescut în nordul Irlandei și locuiește la Londra. Ea este reprezentată de Anthony Wilkinson, Londra, și Kerlin Gallery, Dublin.
Expoziția personală a lui Magill, „Headland”, este organizată și vizitată de Limerick City Gallery of Art (LCGA) în parteneriat cu RHA, Dublin și Ulster Museum, Belfast. Proiectul a fost susținut prin Programul de turnee și diseminare a muncii al Consiliului pentru Arte. Expoziția va fi lansată la LCGA pe 8 septembrie 2017, cu o introducere a Dr. Barbara Dawson, directorul Hugh Lane Gallery, Dublin. Expoziția va fi prezentată ulterior la RHA din 18 ianuarie 2018 și la Muzeul Ulster din mai 2018. Artistul va sta în conversație cu Stephen Snoddy sâmbătă, 9 septembrie, la ora 12, în LCGA.
Imagini folosite: Elizabeth Magill, Promontoriu, 2016–17, ulei și serigrafie pe pânză; imagine prin amabilitatea Hugo Glendinning și artistului. Elizabeth Magill, de-a lungul, 2016 –17; imagine prin amabilitatea Galeriei Wilkinson și a artistului.
