Muzeul Ulster, Belfast, 10 februarie - 3 septembrie 2017
E o înțelegere implicită a resurselor finite ale muzeului și a misiunii încărcate atunci când vizualizați un spectacol de colecție permanentă. Bazinul limitat din care sunt organizate aceste expoziții duce adesea la trasarea unui cerc liber în jurul lucrărilor, conținutul său fiind folosit pentru a demonstra și educa simultan. Devine un echilibru între semnalizare și ilustrare, în care lucrările de artă singulare sunt încărcate de semnificație, denotând dezvoltarea carierei complete a unui artist sau chiar a celor ale colegilor lor. Când sunt văzute în mod repetat în diferite configurații, piesele pot fi experimentate cu ușurință mai degrabă ca artefacte istorice decât ca opere de artă.
Spectrul de contact pe care îl va avea un public cu o colecție permanentă este imens, dar expunerea sporită la lucrări nu favorizează realizarea unei expoziții largi. Influența artei internaționale și a modernismului asupra operei irlandeze este o premisă atât de cuprinzătoare încât m-am străduit să experimentez această expoziție distinct de spectacolele din trecut și chiar din jur. Dacă nu ar fi fost văzute anterior de un spectator, ar fi totuși dificil pentru 31 de lucrări să „îndeplinească” vasta acoperire a titlului expoziției. În schimb, ele devin ca niște fotografii reprezentative ale unui lungmetraj necunoscut: nu demonstrează, ci semnalează ceva care ar putea fi explorat mai amănunțit, dacă ar fi atât de înclinat.
Expoziția este organizată în mod vag atât cronologic, cât și tematic, fiecare lucrare contextualizată printr-un text scurt. Acest format conectează adesea picturile cu influențe artistice, poate un coleg artist care este mai cunoscut decât cel prezentat. Unele blurbs se repetă pe mai multe opere de artă, altele nu; altele prezintă trivialități irelevante. În încercarea de a găsi un echilibru între justificarea plasării lucrărilor și evidențierea conexiunilor importante pentru cei neinițiați, efectul este concentrat pentru unii artiști clar chei, dar este lipsit de loc în anumite locuri. Abandonează continuitatea - poate pe bună dreptate - și plasează multe dintre lucrări la marginile diferitelor mișcări de artă istorică.
Primul spațiu prezintă plecări artistice de la figurație și peisaj la cubism, impresionism și fauvism, cel mai proeminent de Mainie Jellett în Nud feminin așezat și abstract, și Roderic O'Conor în Vedere a Pont-Aven si Câmpul de porumb, Pont-Aven. Această selecție este punctată de unele dintre picturile mai abstracte ale lui Jellett, volumul de lucrări permițând o comparație încrucișată în practica ei mai largă și, într-o măsură mai mică, cea a lui O'Conor. O influență cubistă continuă mai departe în cea a lui Patrick Swift Postiano, Mary Swanzy Scena samoană și a lui William Scott aloe, unde libertatea modernismului de reprezentare strictă arată bucuria și strălucirea străină a scenelor botanice.
Pe cealaltă parte a galeriei, cea a lui William Scott Maro Natură moartă și a lui Antoni Tapies Vopsea verde contrabalansează formele și culorile explozive ale acestor lucrări tropicale. Cu toate acestea, ele sunt ecologice vizual în Patrick Scott Dispozitiv galben - pictat în 1962 ca protest la testarea bombelor nucleare - unde vopseaua este picurată pe pânza brută în tradiția câmpului de culoare. Această pictură este un exemplu al modului în care o colecție permanentă limitată poate găsi relevanță contemporană prin propriul proces istoriografic de a fi găzduit într-un mediu muzeal. Este o lucrare care, prin baza sa politică, arată mai puternic un pasaj prin cronologia acestei colecții și un „defanging” care apare în pictorializare. Pictura în sine (și acum conținutul ei) a devenit normalizată - un indicator pentru care istoria se repetă. Acest proces este ecou în cel al lui Michael Farrell Seria Presse cu cremă. Culorile steagului palestinian sunt plasate printr-un storcător într-o abstractizare ciudată, asemănătoare pop-ului, producând o reducere a politicii actuale (și recurente) de atunci.
Dispozitiv galben marchează abandonarea mini-demonstrațiilor de arcuri de carieră și a relațiilor personale dintre artiști și în câmpul de culoare american singular și apoi în lucrarea pe bază de loc. Acesta din urmă este văzut în pictura lui Sean Scully Al patrulea strat, Strada Tooley, GL Gabriel S-Bahnhof Friendrichstrasse și a lui Willie Doherty Aparat. Din păcate, acest lucru nu este valorificat, mai ales lucrările fotografice ale lui Doherty, amortizând înstrăinarea din ele. A lui Morris Louis Epoca de Aur și a lui Kenneth Noland Cristal arată un proces de realizare a obiectelor care asimilează vopseaua și pânza. De asemenea, oferă conexiuni de câmp color cu cele ale lui William McKeown Fără titlu (2005), care se bazează pe lumina dimineții, aparent punctul de încrucișare al acestor teme. Răcoarea abstractă și necunoscută a acestui tablou este un contrapunct abil la căldura care stă la baza scenelor străine din prima cameră.
Cu toate acestea, în timp ce expoziția începe prin prezentarea unei colecții de artă orientate spre viitor la mijlocul secolului al XX-lea, ea se retrage treptat. Se termină cu achiziția recentă a Am dormit peste noapte până seara de Makiko Kudo. Sub tema expoziției, această lucrare a unui artist japonez ar putea fi percepută ca o aposiopeză asupra viitoarelor influențe ale artei irlandeze sau ca o relaxare generală a influenței pentru a îmbrățișa introspecția și căile alternative ale culturii pop. În ansamblu, „Irlanda Internațională” face ceea ce își propune: „prezintă”, totuși parametrii săi largi par auto-învingători. Cu toate acestea, anumite opere de artă oferă o privire asupra modului în care o utilizare mai directă a funcției de istorie a colecției muzeale ar putea oferi un sentiment sporit de urgență pentru lucrări de artă noi și familiare - și vizitatori - deopotrivă.
Dorothy Hunter este un artist și scriitor cu sediul în Belfast.
Imagine: „International Ireland: Irish & International Art from the Ulster Museum Collection 1890 - 2016”, vizualizare instalare; imagine oferită de Muzeul Ulster
