KEVIN BURNS REVISA O CUARTO E FINAL INSTALACIÓN DO NOVO PROGRAMA DE EXPOSICIÓN DE ESPAZOS DE VAI EN DERRY.
Son as catro da tarde: acabo de molestar a alguén nunha oficina para que me animase ata o primeiro andar; Subo por unha grande escaleira xeorxiana, forrada de carteis de Rothko; Agardo mentres o acenden todo; e agora estou vendo como se come un escenario. Hai catro estadas metálicas con iluminación escénica, reflectidas en cuadrantes, que se contraen cíclicamente para expandirse, como o foliado industrial. Co canto do ollo, noto que apareceu unha barra de progreso na parte superior da pantalla, cun temporizador que contaba 3, 4, 5, e logo desapareceu.
Estou no Fashion & Textile Design Center, un dos catro "novos espazos" homónimos en Derry, onde se situaron dezaseis proxectos de xullo a decembro, en catro entregas de catro proxectos cada unha. New Spaces é unha empresa conxunta entre Visual Artists Ireland e Derry City e Strabane District Council, apoiada polo Arts Council of Northern Ireland Challenge Fund que, como se decretou nun primeiro comunicado de prensa: "Permite á xente experimentar arte contemporánea emocionante e desafiante en novas camiños ”. Certamente, os proxectos de arte fóra do sitio poden ofrecer experiencias distintas ás que se atopan no entorno máis utópico dunha galería de arte, con características que a miúdo se derivan das friccións inherentes a tales proxectos. De feito, parte do cometido de New Spaces é animar aos curadores emerxentes a participar e aprender dos desafíos que poden resultar da comisariado de proxectos de arte en escenarios non convencionais. As exposicións de cada entrega foron comisariadas por Rebecca Strain, Edy Fung, Alice Butler e Mirjami Schuppert, que foron seleccionadas durante unha convocatoria a principios de 2018, baseándose na forza das súas propostas que responderon ao sitio. A cuarta e última rolda de exposicións desenvolveuse do 17 de novembro ao 15 de decembro de 2018.
Na praza de Ebrington o sábado 1 de decembro, Shipsides & Beggs Projects - unha colaboración artística entre Dan Shipsides e Neal Beggs - presentaron 'Zombie Line, Wheel and Wire', unha proxección de cine e charla de artistas acompañados, comisariada por Alice Butler. Shipsides e Beggs reflexionan sobre as xeografías da posguerra e as infraestruturas militares desaparecidas das Dolomitas no norte de Italia, centrándose nos cables de ferro orixinalmente empregados como rutas de mensaxería e exploración dos soldados italianos durante a Primeira Guerra Mundial. A película apóiase na desorientada lóxica visual da psicodelia para xirar figurativamente estes cables nas rodas das bicicletas, adoptando unha xenealoxía visual da bicicleta, desde querida dos futuristas italianos e un símbolo político favorecido de Mussolini, ata o vehículo militar (incluíndo "UVF Bicycle Corp"), e símbolo hiper-masculino, resplandecente na inmodesta Lycra. As imaxes recorren cíclicamente, afirmando alegremente as posibilidades do cine como medio non lineal, onde a duración non prescribe necesariamente que a narrativa se desenvolva en paralelo.
"[Backspace]" de Yarli Allison é unha serie de catro partes de instalacións que reflicten o crecemento, o decrecemento e a evolución, filtradas a través de episodios biográficos. Cuarta parte, Infante, debía ter lugar no Gwyn's Café & Pavillion en Brooke Park de Derry, concluíndo a serie con xestos de renacemento. Pero foi cancelado. Polo que recollín mentres agardaba o meu café, o traballo pretendía involucrar un obxecto suspendido do teito, que provocou unha disputa sobre se "cabería". No seu lugar, o artista optou por entregar unha peza de representación no parque durante a noite inaugural. Evidentemente, os intereses artísticos chocaron coa loxística espacial dun café en funcionamento, deixando claras algunhas das limitacións prácticas dos proxectos de arte fóra do sitio: non son espazos utópicos nos que nos animamos a vagar e só pensamos un pouco; adoitan ser espazos funcionais cun conxunto de demandas propias. Probablemente pediría ese café de todos os xeitos (o de Gwyn é un fermoso café nun ambiente idílico), pero ao facelo, fun consciente dun intercambio implícito: "Non podo pedir só ver a arte e logo saír! ”
No centro do patrimonio Sion Stables en Sion Mills hai unha relación máis harmónica entre o proxecto e a situación. Presentado nunha gran vitrina, a de Hiroko Matshushita Dualismo da narración é unha delicada instalación de papel cortado, semellante a un friso, en relevo a ambos os dous lados dun pergamiño despregado e dobrado. É unha visión de Brancaneves, contada entre dous fíos narrativos a cada lado do xornal, un en inglés e outro xaponés. A historia está ilustrada cun retrato de silueta, que lembra as imaxes tradicionais de Rexencia, onde se poden ver escenas de caza de raposos ou cortexo con elegantes sombreiros. Nun espazo adxacente está a escultura de Emma Hirsk, A arte feminina de soldar, dous cadros de metal alongados de pé erguidos cunha protuberante forma abstracta dos seus centros. Ambos proxectos foron comisariados por Rebecca Strain e instalados nunha colección permanente de artefactos da historia de Sion Mills como cidade da compañía para o Herdman Flax-Mill, establecido en 1835. Entre a colección hai unha fotografía de homes traballando no muíño, que palan. a través dun deserto interior de semente de liño: a postura das figuras resoa coas ilustracións de Matshushita, que neste contexto evocan unha lembranza idealizada das relacións desiguais entre señores e inquilinos, empresarios e traballadores. Como un modelo de cidade de muíños, Sion Mills pode verse como un símbolo da dualidade pertinente á obra de Matshushita. Orgulloso de que a cidade é do legado da familia Herdman, Matshushita advirte de non confundir a noblesse obligado coa equidade. A escultura de Hirsk tamén fala cos seus compañeiros estables, aspirando a "situar o feminino no medio natural". Os cadros soldados teñen unha estrutura en ángulo recto e verticalidade que ten un propósito, o que suxire man de obra e industria. Parecían como se estivesen nun museo de ferramentas para preparar cabalos e equipos de pesaxe de sementes, ao mesmo tempo que canalizaban as historias escurecidas do traballo industrial feminino, non representadas de xeito notable polas numerosas imaxes de arquivo de cabaleiros magnificamente moustaches.
O mencionado vídeo no Fashion & Textile Design Center é un elemento da instalación de audio de Dave Loder, A Wh () soa (ing), que se basea na práctica conceptualmente ambiciosa de Loder de capturar e reproducir as forzas cinéticas auditivas e ambientais. Comisariada por Mirjami Schuppert e ocupando unha gran sala, A Wh () soa (ing) pretende comprometerse co imperceptible timbre das murallas da cidade de Derry. Comprende unha serie de pequenas moedas de cobre conectadas, conectadas a un mesturador de audio e emitidas a un altofalante. Este artefacto instálase no medio dunha disposición de patróns xeométricos de tecido, un televisor que mostra o escenario e outro apagado e mirando cara a fóra da fiestra. A premisa e a estética da obra implica que as moedas de cobre dalgún xeito reciben fenómenos do entorno e os fan audibles. Só que non, non escoito nada. O que podo escoitar son ruídos ambientais: o zumbido eléctrico da televisión; o suave crujido das fiestras, coma se a pintura branca se arrastrase polos marcos; os nefastos retumbos do balance infinitesimal dun edificio grande; o débil e fluctuante son do aire acondicionado. Se este altofalante realmente produce algún son, pérdese entre o ruído da estrada e a xente que conversa debaixo. Pero o sistema de audio parece producir algo, porque podemos ler a pantalla do mesturador de audio, o que indica que as pistas de audio están a reproducirse en secuencia, ao igual que a televisión reproduce vídeo nun bucle. A outra televisión, mirando inactivamente pola fiestra, é aínda máis ambivalente: suponse que está a tocar algo ou os asistentes á galería esqueceron acendelo? A Wh () soa (ing) crea unha narrativa pouco fiable que xera fricción entre a confianza e o coñecemento, traendo á mente a angustiosa disputa en torno ás ciencias climáticas: un tema á vez ambiente e remoto, pero terriblemente amplo. Se alguén "cre" ou non na ciencia, depende en gran medida da nosa confianza en quen a practica. Neste contexto, pode funcionar en condicións de estudo ou galería A Wh () soa (ing) simboliza a imposibilidade dun coñecemento empírico total. Temos que confiar na confianza - institucional e persoal - para construír a verdade.
O concepto de "traer arte" a lugares onde a xente normal leva a súa vida cotiá non é nada novo, polo que non o considero honestamente un resultado importante de New Spaces, como tal. Non obstante, hai algo revelador sobre a disfunción que pode ocorrer en proxectos fóra do lugar, onde os conceptos utópicos formais da práctica artística xeran fricción produtiva coas prioridades dos espazos non artísticos. Pero o espectador debe ser autónomo para que isto ocorra. A programación de arte cívica aspira a crear unha experiencia de visualización, é un espectáculo, por moi discreto que sexa, negociando a nosa axencia como espectadores por unha experiencia de revelación. Necesitamos manter a conciencia da nosa axencia e decidir o esforzo que debemos exercela; se mercar o café ou non mercar o café ...
Kevin Burns é un artista e escritor afincado en Derry.
Créditos de Imaxe
Proxectos Shipsides e Beggs, Liña, roda e arame zombi, vídeo aínda, imaxe cortesía dos artistas.
Emma Hirsk, A arte feminina de soldar, imaxe cortesía de Rebecca Strain.
Hiroko Matshushita, Dualismo da narración; imaxe cortesía de Rebecca Strain.
