JOANNE LAWS ENTREVISTA A NICK MILLER SOBRE A SÚA PRÁCTICA DE PINTURA E A SÚA ACTUAL EXPOSICIÓN EN LONDRES.
Joanne Laws: o termo "Pintura de encontro" adoita asociarse co teu traballo. Supoño que isto se relaciona con cousas que pasan na túa vida diaria e como respondes a elas?
Nick Miller: En realidade non, é máis formal que iso. Alá polo 1988, aínda con vinte anos, tiven unha especie de eureka sobre o que a arte podería ser para min mentres estaba nunha residencia no zoo de Dublín. Comecei a debuxar da vida de novo, fronte á alteridade dos animais en catividade. Tratábase de reunir e manter a enerxía contida a través do acto de debuxar. Coincidiu coa miña lectura do extraordinario libro de Martin Buber, Eu e Ti 1. Isto axudou a enmarcar o meu interese por tratar de manter a vida que atopei na forma material da arte. Desde entón, a miña práctica evolucionou lentamente ata configurar as condicións necesarias (no estudo ou fóra) para atopar cousas (unha persoa, unha paisaxe ou un obxecto) nun ambiente de práctica onde tamén hai a mellor posibilidade de facer un cadro. .
JL: Lembro unha especie de influencia oriental que se manifestou no seu traballo a mediados dos 90. Foi a través do seu compromiso co Tai Chi?
NM: Si. Seguiu directamente desde o comezo a definir ese sentido de "práctica", pero foi un sistema de aprendizaxe paralelo. Nos anos 90 tiven a sorte de estudar en América cun amigo de Alan Watts, Chungliang Al Huang.2 Un aspecto do seu ensino era moi visual, empregando a caligrafía como movemento físico encarnado. Deume un xeito nese mundo de integrar o pensamento oriental nunha práctica artística con raíces moi occidentais. Poida que recordes da miña ensinanza na sala de vida daquela época, adoitaba facer que a xente fixera movementos físicos e respirase, intentase espertar. Pintar desde a vida é unha actividade literalmente "corpo-mente": absorber información do exterior, procesala internamente e liberala no material da pintura. O pensamento taoísta ofrece un enfoque non lineal e esférico, onde o resultado é case un afortunado "sobrante" do seu compromiso coa práctica.
JL: No teu compromiso cos arquetipos da pintura - paisaxe, retrato e natureza morta - estás a loitar co medio para facer teu este territorio?
NM: Si, supoño que o son. Todos miramos entrar na arte e esperamos atopar algo auténtico. Moito do tempo -e sei, porque ensinei na facultade de arte- a educación tende a resolver o "mal" para que os artistas poidan actuar nun "mundo da arte" profesional. Nunca me plancharon, así que usei o meu "mal" para facer funcionar. Podería dicir que son un pintor de "vida" de moda antiga e deixalo así, pero iso non sería totalmente certo. En certo xeito, a arte non me interesa tanto. Interésanme, por necesidade na "arte de vivir", os problemas de ser pintor. Contradíndome, realmente teño un amor duradeiro por todos eses xéneros da historia da arte occidental. Está a atopar afirmación nas obras de artistas moi diferentes, en pinturas que para min son portais ao longo do tempo -repositorios de enerxía contida- que me absorben e cargan por completo.
JL: Os teus asistentes adoitan ser compañeiros de arte e amigos, como Alice Maher ou Janet Mullarney, e algúns deles faleceron desde entón, incluíndo Barrie Cooke, Anthony Cronin Seán McSweeney e John McGahern. Cando isto ocorre, pensas que os seus retratos case cobran unha función de arquivo? ¿Esta obra trata da posteridade?
NM: Non realmente, ou ao principio non. Comecei pintando á miña familia e amigos: ninguén con vida pública. O retrato é o meu primeiro amor e regreso a el continuamente como a raíz de todo o meu traballo. O encontro máis emocionante é dun humano a outro e na miña propia traxectoria persoal gústame manter algo das persoas que coñecín. A medida que me enraizei en Irlanda e a comunidade artística relativamente accesible aquí, respetar a aqueles artistas, escritores ou calquera persoa que acabe sentando para min é algo que me gusta facer. En verdade, síntome moi real cando pinto - iso é o mellor de min - conectando con eles. Ao morrer a xente, como facemos todos, supoño que as pinturas poden converterse nun rexistro histórico, pero non podo ter iso como obxectivo: ponse no camiño. Non son arquiveiro.
JL: Onde "Vessels: Nature Morte" reflicte o absoluto colapso do significado que ocorre cando alguén morre, a súa serie máis recente, "Rootless", parece transcender a perda individual para centrarse máis no colectivo e no político. Podes comentar a evolución deste novo traballo?
NM: A miña última serie de bodegóns, 'Vessels: Nature Morte', tiña un núcleo enerxético profundamente persoal dun longo proxecto de colaboración no Hospicio do Noroeste, e o paso paralelo dos meus propios pais. Para min foron o contrario ao "colapso do significado". Estaban a piques de manter os últimos momentos da vida e o significado antes de marchar. Despois dese traballo, estiven algo perdido no estudo, quería diálogo, pero non atopaba a xente nin as conversas que necesitaba ter. Como moitos de nós, intentaba procesar este mundo tolo co que todos temos que convivir, o caos político que semellamos xerar no planeta, o caos climático, o sufrimento migratorio, todo isto ao que nos enfrontamos. . Nun período bastante intenso en 2017-2018, comecei a procesar esa falta de diálogo ao meu xeito, nos lenzos a gran escala que se converteron nos cadros "sen raíz". Tomaron unha vida propia, afirmando a urxencia da natureza. Estaba explorando o desorde e as posibilidades de integración en composicións máis complexas, algunhas das cales mostrei na Oliver Sears Gallery de Dublín o ano pasado, pero actualmente móstranse máis completamente na Art Space Gallery de Londres.
JL: Tamén recordo os teus 'Truckscapes' con moito cariño. En que momento decidiu incluír o "dispositivo de visualización" da porta dentro desas composicións?
NM: O primeiro par de anos no estudo móbil, non atopei o xeito de pintar. Estaba moi alto, gozaba da tola liberdade de estar na paisaxe, coñecía o mundo rural no que vivía, pero había unha insatisfacción en min; só parecían "imaxes" que non precisaban existir. Estivera raspando pintura, corrixindo cousas e comezaba a salpicar ao redor do marco da porta do camión. E logo, no 2001, mentres traballaba nunha pintura dunha árbore de Whitethorn no campo dun veciño, volvín a traballar radicalmente a pintura para incluír o interior do camión e a porta salpicada de pintura que daba á árbore, como un retrato de pé.3 A miña experiencia definiuse pola protección do camión como un estudo, unha cultura cunha porta relativamente estreita ao infinito mundo da complexidade exterior, como unha tartaruga na miña cuncha. Deime conta de que non eran paisaxes, senón "paisaxes de camións". Comecei a axustar a miña práctica de facelos no contexto da visión do camión, e así foi como se converteron en algo real para min, como pinturas de terra, árbores ou o que sexa.
JL: Moita xente recoñece que a túa paleta de cores silenciada e orgánica é particular para o teu traballo. Vén de vivir no oeste de Irlanda?
NM: Basicamente si ... Siléntase dun xeito axustable, comezando por unha paleta moi ampla (ao contrario de calquera consello que nunca daría a ninguén). Estás intentando unir algo para ser, pero a cor procede da natureza. Ten algo que ver coa luz aquí. O meu estudo é un almacén con luz sucia e natural. Intento manter a vida, non conmemorala pero mantela no presente, a través dunha especie de alquimia. A través do adestramento, traballo a un ritmo intenso e sorprendentemente rápido que se adapta ao meu temperamento. Aprendín a relacionalo para centrarme no deporte.
JL: ¿Bebes Lucozade Sport mentres pintas ?!
NM: Estou intentando reducir a inxestión de azucre. Despois de ter practicado o tenis como o primeiro deporte aos 48 anos despois dunha vida de indolencia, agora está tomando o relevo. Despois de 10 anos xogando, compitei por Connacht en Interprovinciais e nese nivel perdo sobre todo cun estilo decidido. A concentración necesaria é similar á pintura: unha atención sostida, pero sobre unha pelota amarela. Agora tamén estou nadando todas as mañás no mar, mantendo a natureza a través da auga fría. Fíxenme adicto. A miña parella Noreen describe como o meu tratamento diario de descarga eléctrica, que non está lonxe da verdade. Restablece a mente e o corpo, ata que ao final do día volvo ao meu eu normal como un zombi, recuperando Netflix ou Brexit. O meu programa en Londres remata o 29 de marzo. Desde que nacín alí e, despois de 34 anos converténdome finalmente en cidadán irlandés, paréceme morbosamente simbólico que o meu programa finalice o día do Brexit.
Nick Miller é un artista afincado no condado de Sligo. A súa exposición, "Rootless", continúa na Art Space Gallery de Londres ata o 29 de marzo.
nickmiller.ie
artspacegallery.co.uk
Notas
1 Martín Buber, Eu e Ti, publicado por primeira vez en alemán en 1923.
2 Vexa: Alan Watts e Chungliang Al Huang, Tao: o camiño do curso de auga (Panteón: 1975).
3 Whitethorn, vista de camión (2000-01), óleo sobre liño. Colección do Museo Irlandés de Arte Moderna.
Imaxe do recurso:
Janet Mullarney sentada para Nick Miller no seu estudo en 2017; fotografía cortesía do artista
